ÍNDICE
1. Historia y desarrollo de discografía musical.
2. Historia del diseño gráfico en la música.
3. Carátulas que hicieron historia.
2. Historia del diseño gráfico en la música.
3. Carátulas que hicieron historia.
4. Artistas y diseñadores detrás de las carátulas.
- Reid Miles
- Andy Warhol
- Barry Feinstein
5. Actualidad
- 5.1. Soportes físicos
- 5.2. Soportes digitales
- 5.3. Giras y conciertos
- 5.4. Merchandising
- 5.5. Ejemplo de una identidad visual completa
- 5.6. Festivales
6. Webgrafía
ETAPAS DESARROLLADAS A LO LARGO DEL TIEMPO EN LA INDUSTRIA
MUSICAL
REID MILES
Si hablamos de su propagación en los soportes digitales, tenemos varios ámbitos que abordar. Empezando por la página web, se observa que no se emplea una imagen como portada delas página principal sino que se trata de un vídeo gráfico donde se vé el fluir de la tinta en el agua. Aunque si bien no igual que los grafismos de la identidad visual, tiene relación estética con ellos. Además sirve como imagen de acompañamiento a la música que suena cuando accedemos a la página: la intro del disco. Presenta en esa página principal las opciones de menú con todos los apartados desplegados al igual que acceso directo a sus redes sociales y canales de audio. De la misma forma tiene la opción del lenguaje que por defecto aparace en catalán. algo curioso de esta página es que al entrar en el resto de apartado esa portada cambia. En las direntes secciones de la web tenemos otro reproductor, que ahora sí, tiene las ilustraciones del disco. También cambia la canción que podemos escuchar, siendo una del disco "Raval" y que en este caso no se reproduce automáticamente.
1. HISTORIA Y DESARROLLO DE LA DISCOGRAFÍA
INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA
Discografía es el estudio y el listado de los detalles relativos a la reproducción y grabación de sonidos, a menudo realizado por artistas específicos o dentro de determinados géneros musicales. Suele incluir detalles como los nombres de los artistas implicados, el tiempo, el lugar de la grabación, el título de la obra realizada, las fechas de lanzamiento, tabla de posiciones y las cifras de ventas. Fue en los 90,cuando el término «discografía» se comenzó a utilizar por los coleccionistas de discos de jazz.
Fue en los 90, cuando la discografía (estudio de detalles relativos a un tema musical) comenzó a expandirse, siendo resultado, entre otros muchos actos, como consecuencias de la posguerra. El diseño, la publicidad y el marketing facilitaron la innovación y divulgación de las carátulas de dichos discos. Los artistas pasaron a formar parte de un compendio social que fue creciendo tanto en número como en calidad y se los empezó a valorar y emplear como reconocimiento del país al que pertenecieran. Fue en los 90, cuando la discografía (estudio de detalles relativos en cuanto a un tema musical) comenzó a expandirse,siendo resultado,entre otros muchos actos,como consecuencias de la posguerra.
El diseño,publicidad y marketing facilitaron la innovación y divulgación de las carátulas de dichos discos.Los artistas pasaron a formar parte de un compendio social que fue creciendo tanto en número como en calidad y se los empezó a valorar y emplear como reconocimiento del país al que pertenecieran.
Alex Steinweiss y la discografía fueron uno, siento su carrera de vital importancia para el desarrollo de dichas portadas. Inspirado en las Vanguardias y Art Dèco, supo utilizar su técnica, llevándola al máximo exponente para más tarde brillar con todas y cada una de sus obras, las cuales han acabado siendo reconocidas a nivel mundial.
Etapa 1 – El
Nacimiento de la Industria Musical
En sus comienzos, no existía otra forma de tener una
experiencia con la música que no fuera en vivo. ¿Cómo iba a haberla? Si no
existían aparatos electrónicos ni formatos de reproducción que hiciesen esto
posible. Aunque la industria musical realmente comenzó en el siglo XVIII, para
finales del siglo XIX, el centro de ésta industria se encontraba en Nueva York,
en las oficinas de las compañías editoras de esa época que agrupaban a los
compositores que producían música en papel para el consumo de sus clientes,
mayoritariamente músicos.La promoción como actividad pronto se convirtió en una
parte esencial de la industria musical.
La nueva tecnología empuja el negocio:
Las nuevas tecnologías para la distribución de la música
cambiaron el enfoque de la industria de la canción al artista. El primer
tocadiscos, el gramófono, se introdujo en 1890 y por primera vez era posible
consumir y disfrutar de la música a conveniencia, sin la necesidad de tener a
alguien que supiera leer partituras. En los años 20 se introdujo la radio, y
la distribución musical creció rápidamente haciendo que canciones y artistas
populares se expandieran en el consciente de las audiencias de manera rápida.
Durante éste período, empresarios de todo el mundo comenzaron a reconocer las
oportunidades de la industria musical, mientras que 200 casas discográficas se
crearon en USA y las tiendas de discos comenzaron a abrir en cada pueblo.
Millones de personas de una sola generación vivieron los cambios tecnológicos
que en tan pocos años trajeron nuevos formatos de diseminación musical como el
vinlo, la tienda de discos y los medios y sistemas promocionales, como la radio
y las películas.
Los inicios de las empresas dedicadas a la industria
musical, sus principales negocios eran la venta de aparatos reproductores, por
lo que la música era tan sólo un simple contenido en un formato físico (el
disco) que promocionaba la venta del aparato electrónico. Años después, estas
mismas empresas cambiaron su enfoque y comenzaron a dedicarse a la creación de
ídolos y estrellas de rock.
Etapa 2-La industria
musical original
Durante casi 50 años, la manera en cómo se manejaba la
industria era siempre la misma. El artista (generalmente después de enviar su
casette) firmaba un contrato discográfico con una casa disquera. La disquera asignaba un A&R (Artist and Repertoire) para
que fuese el enlace entre el artista y el mánager de producto de la compañía
discográfica para los lanzamientos musicales. En el principio, el A&R asignaba también a un productor,
quien era responsable de realizar el disco, aunque esto se convirtió
eventualmente en una decisión mutua con el paso de los años. Muchas veces el productor era parte del staff de la
disquera, mientras que en otros casos, el A&R también servía doble trabajo
como productor.
En definitiva,la estructura desarrollada se vería así:
En los primeros años de la industria del disco, el artista
usualmente tenía mínimo control sobre el producto final, lo cual era del
dominio completo del productor. Conforme la industria se desarrolló, y cada vez
más artistas demandaban control, el productor asignado para ayudar a grabar al
artista por lo general era un contratista independiente de la casa disquera,
adecuándose a las necesidades del artista siempre y cuando sirviera a los
intereses de la casa disquera y su visión. Después de que la canción o el álbum
se grababan, la casa disquera manufacturaba el vinilo (y después, el cassette y
el CD) y lo distribuía a sus tiendas.
La casa disquera también era responsable por el marketing y
la promoción del disco, la cual se centraba en la radio. Si tu disco tenía
rotación en radio, lo más seguro era que vendieras muchas unidades. En
palabras de Rupert Perry, alto ejecutivo de EMI Music: “Otro punto importante
es saber cómo la gente consumía contenido en esos días, lo que era que la gente
escuchaba su música en la radio, enteramente".
Para evitar cualquier cargo que los acusara de copia, las
casas discográficas dejaron de utilizar departamentos de promoción y comenzaron
a utilizar promotores independientes, con la teoría de que cualquier cosa que
hiciera una tercera parte o que un promotor independiente ofreciera a los
directores de radio, esencialmente eliminaba la responsabilidad legal de la
casa disquera (Eventualmente, y con el paso de los años, ésta teoría también se
probó ilegal). Pese a todo, la rotación en radio era la llave del éxito, y la
promoción era la clave para la rotación en radio. La estructura de ésta etapa
musical finalmente se veía de la siguiente manera: Con la excepción de la
limitada exposición hacia el consumidor vía clubes de fans y firmas de
autógrafos en las tiendas de discos, los artistas estaban segregados de la
cadena de distribución y consumo.
Etapa 3 – Época
Corporativa
En la siguiente etapa del negocio de la música, se produjo
un nivel impresionante de ganancias nunca antes visto en la historia de la
industria musical, y que es muy dudoso que alguna vez volvamos a ver un
crecimiento con éste precedente. Con la llegada del CD en 1982, las compañías
discográficas experimentaron un crecimiento en sus ganancias de varias maneras.
Debido a que la tecnología para crear CDs era cara en un principio, las
discográficas aumentaron el precio de cada disco al mismo tiempo que disminuían
la regalía al artista, con el supuesto argumento de que se trataba de un “gasto
de tecnología”. Mientras que el precio a menudo del disco nunca bajó aún y
cuando la tecnología se amortizó y se hizo barata, los artistas eventualmente
se dieron cuenta de la situación y no les pareció. Quizás lo mejor que pudo
haberles sucedido a las casas discográficas en ese tiempo fue la habilidad de
revender todo su catálogo de artistas a un público dispuesto a cambiar de
vinilo a CDs y comprar una copia del álbum que ellos ya tenían en vinilo.
Las ventas de catálogo (ventas de los discos de un artista
de antes de su más reciente producción) incrementó las ganancias, debido a que
los costos de producción eran mínimos: Nada más el costo de maquilar el CD, sin
contar con los costos promocionales. Los consumidores compraron el nuevo
formato de CD que ahora contenía mejor calidad de sonido (para algunos) para
suplementar sus nuevas colecciones de CDs y, de esa manera, proveyeron recursos
financieros a las discográficas que tenían enormes volúmenes de catálogo. Una
oportunidad única de negocio, ¿No crees? Si tomamos en cuenta que los mayores
costos de la producción de un álbum se encuentran en la promoción, pues
entonces estamos hablando de que las discográficas tenían un ahorro de alrededor del 60% al 70%,
debido a lo que mencionábamos antes: la música de catálogo ya había tenido su
época de promoción en los años anteriores, ya no había necesidad de volver a
promocionar a esos artistas con éste nuevo formato.
Ahora resultaba que las compañías discográficas tenían, con
el formato de CD, un excelente negocio que arrojaba ganancias por donde quiera,
lo cual atrajo inmediatamente la atención de Wall Street. Mientras que en los
años anteriores, la industria del disco había sido considerada por Wall Street
como un ente sin mucho interés de entre todas las ramificaciones de la
industria del entretenimiento, ahora resultaba que eran los consentidos de los
inversionistas, y fue en ésta época en la que comenzaron las grandes fusiones:
- Columbia Records fue comprada por Sony (Y eventualmente convirtiéndose en Sony Music).
- Warner Bros. Records fue comprada por Time Inc. Convirtiéndose de esa manera en Time Warner.
- Univeral Music fue comprada por Matsushita y después ambos comprados por Vivendi.
- EMI fue comprada por Thorn Industries.
- Polygram ya era operada por Philips, y la MBG era operada por Bertelsmann AG.
Las 6 grandes compañías discográficas ahora estaban bajo
control de un conglomerado.
Etapa 4 – La Era de
la Música Digital
En estos tiempos de "era digital", donde los
territorios y los ciudadanos están interconectados a través de la nuevas
tecnologías; tiempos de la internacionalización de los mercados, de la
liberalización de los sistemas económicos, de la digitalización de las
empresas, donde la revolución tecnológica ha cambiado los modelos de negocio y
ha transformado los procesos organizativos de las compañías, no podría faltar
en esta fiesta la industria de la música.
Las multinacionales de la música han sido durante muchas
décadas las compañías discográficas, gigantes que se han quedado con la mayor
parte de la tarta de los beneficios de la producción de álbumes; sin embargo,
en estos últimos tiempos, han sufrido primero el impacto de la piratería
musical y después las descargas ilegales de internet (formato mp3).
El acceso global a las nuevas tecnologías de producción
musical multiplica la creación de nuevos grupos y también nuevos estilos y
sonidos. Las bandas prefieren muchas veces darse a conocer y promocionarse a
través de canales online como youtube, redes sociales y difusión digital
multimedia como el "streaming". Las compañías discográficas se han
visto obligadas a fusionarse o a desaparecer, surgiendo nuevos y pequeños sellos
independientes; muchas bandas (ya sea consolidadas como de nueva creación) han
optado por producirse y distribuirse sus propios álbumes aprovechando las
nuevas tecnologías y las nuevas formas de financiación micro y colectiva como
el crowdfunding.
Se consolidan las giras como la mejor herramienta para la
obtención y maximización de las ganancias por parte de las bandas, a lo que
añadimos el patrocinio de las grandes marcas (compañías de bebidas, industria
automovilística, ...), merchandising... como nuevas vías de obtención de
ingresos. Se popularizan y consolidan los festivales (también patrocinados por
las grandes marcas), convirtiéndose a su vez en marcas de prestigio nacional e
internacional (FIB, Azkena Rock, Cazorla Blues, Bilbao BBK Live, Viñarock...)
como formato musical de masas, dando la oportunidad a la audiencia de ver y
escuchar a una gama de bandas (veteranas y noveles) concentradas en el espacio
y en el tiempo, por un precio conjunto y muchas veces asequible.
Por último, siguen triunfando y arrasando las verdaderas
multinacionales de la música, las grandes bandas de rock de la historia, con
los Rolling Stones a la cabeza, seguidos de AC DC, U2, Bruce Springsteen... con recaudaciones millonarias en sus giras mundiales, demostrando que a pesar
de la edad, siguen y seguirán dominando el panorama musical mundial.
2. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO EN LA MÚSICA.
La portada se dio a la par, y se convirtió en una parte importante de la cultura de la música,empleado a su vez como herramienta de marketing y una expresión de la intención artística así como expresión cultural importante de la posguerra.
Los discos son llamados álbumes como respuesta a una necesidad de venta de la primera década del siglo XX. Las disqueras empacaban las obras discográficas en libros similares a los álbumes de fotos, con sobres de papel en vez de páginas.A su vez,era muy común que presentaran un orificio circular en el centro para mostrar el nombre del artista y el título del disco. Un packaging sobrio y sin adornos. Estamos hablando de un tiempo en que las disquerías eran únicamente objeto de atención y un vendedor al que se le pedía el álbum con nombre de artista y título de la obra.
2.1. ALEX STEINWEISS: LA IMPORTANCIA DE SU CARRERA EN EL DESARROLLO DE LAS PORTADAS DISCOGRÁFICAS.
Después de la graduación, Steinweiss trabajó durante tres años para el diseñador austriaco Joseph Binder , cuyo color plano y figuras humanas simplificadas eran muy populares en la época e influyeron en su propio trabajo.
En los años 30 la música registrada fue vendida en el empaquetado llano, o los "bolsos" de la publicidad de la tienda de discos; conjuntos de discos también se suelen publicar en álbumes sencillos. Sin embargo, las ilustraciones coloreadas se habían utilizado en los álbumes especiales, de la Primera Guerra Mundial. Éste fue impreso por separado y pegado en cubiertas del álbum y de vez en cuando dentro de los álbumes: por ejemplo, HMV el tema de "de Liza Lehmann; y Gilbert y Sullivan estaban todos disponibles en 1918 en tales álbumes decorados. En 1938, Alex Steinweiss fue el primer director de arte de Columbia Records , donde presentó una aplicación más amplia de portadas de álbumes y portadas ."Eran tan monótona, tan poco atractiva", dijo Steinweiss, "convenció a los ejecutivos para que me dejara diseñar algunos".
Durante la Segunda Guerra Mundial , Steinweiss se convirtió en el director de publicidad de Columbia Records . Se fue a trabajar en el Centro de Entrenamiento y Desarrollo de la Marina en Nueva York, donde produjo material didáctico y carteles de advertencia Después de la guerra, Steinweiss freelanced para Colombia. Durante un almuerzo allí, el presidente de la compañía, Ted Wallerstein , le presentó una innovación que la compañía estaba a punto de revelar: el récord de larga duración. Pero había un problema. El papel kraft pesado plegado usado para proteger registros de 78 rpm dejó marcas en el microgroove de vinilo cuando 33 LPs de 1/3 rpm se apilaron. Steinweiss fue invitado a desarrollar una chaqueta para el nuevo formato y, con la ayuda de su cuñado, encontró un fabricante dispuesto a invertir alrededor de $ 250.000 en equipo. Steinweiss tenía la patente original para lo que se convirtió en el estándar de empaque de la industria (él no desarrolló la manga interna, solamente el paquete externo), pero bajo su contrato con Colombia él tenía que renunciar todos los derechos a cualquier invención hecha mientras que trabajaba allí.
Primera portada de disco de la historia
Steinweiss estuvo activo en el diseño de la portada discográfica desde 1938 hasta 1973, cuando se semi-retiró para dedicarse a la pintura. Por su propia admisión, diseñó aproximadamente 2500 cubiertas. Su carrera se puede dividir en aproximadamente cinco períodos:
De 1938 a quizás 1945, él diseñó todas las cubiertas para Colombia. Durante este período, desarrolló todo el "lenguaje" gráfico del diseño de álbumes.
El segundo período es de 1945 a aproximadamente 1950, durante el cual ya no era el único diseñador para Columbia. También comenzó a diseñar para otras compañías. Este período se describe a veces como la "Primera Edad de Oro" de la portada del álbum. Firma Steinweiss fuente , el 'garabato Steinweiss,' apareció por primera vez en más o menos 1947. Steinweiss afirma haber inventado la cubierta LP, que apareció por primera vez en 1948. Steinweiss también puede tomar el crédito para el diseño de la columna griega Columbia utilizado en 1948 en los primeros sobres LP. El diseño fue tomado prestado de la cubierta más temprana del álbum de 78 RPM, MM577, el concierto del violín de Mendelssohn jugado por Nathan Milstein. Este desempeño fue elegido por Columbia para ser el primer LP de 12 pulgadas, ML4001.
Comenzando alrededor de 1950, Steinweiss hizo las cubiertas y la etiqueta de registro para Remington, y comenzó una asociación de más de 20 años con Decca y Registros de Londres . Al igual que sus períodos anteriores, la mayoría de sus diseños de principios de los años 1950 se dibujan, para Columbia, RCA , Remington , Decca y Londres. Éste era su tercer período, cuando él dibujó, las letras, y la disposición que era a menudo brillante pero quizás no tan memorable como su período tardío de los años 40. Fue durante este período que colaboró con Margaret Bourke-White en una memorable serie de portadas para Columbia.
A partir de mediados de los años cincuenta, Steinweiss agregó la fotografía a su paleta. Las portadas fotográficas de Steinweiss son notablemente distintivas. Utilizó extraños colores llamativos, iluminación extraña y numerosos juegos de palabras y puntos de referencia. Él continuó trabajando para Decca y Londres, e hizo la serie entera de las cubiertas (y el logotipo y la etiqueta) para el startup etiqueta del Everest a partir de 1958 hasta alrededor de 1960. Éste era su cuarto período, caracterizado por la fotografía pero que seguía usando toda la gama de herramientas que había desarrollado.
El período final de la cubierta de registro de Steinweiss era de 1960 a aproximadamente 1973, trabajando de nuevo para Decca y Londres. Sus nuevos desarrollos del período fueron en diseños troquelados y collage.
La portada de Steinweiss para la grabación original del South Pacific (1949) en Broadway ha estado en uso casi continuo desde entonces para el set de 78 rpm, el LP, el set de 45 rpm, varios formatos de cinta y el CD. El único otro diseño gráfico en América que se utiliza durante tantos años es la botella de Coca-Cola .
En 1942, Steinweiss contrató a Jim Flora , que puso en marcha la carrera de 40 años de Flora como artista comercial.
En 2001, Steinweiss fue presentado en el show de la galería de Carlo McCormick "The LP Show", que se originó en New York's Exit Art y luego en 2002 viajando……
2.2. IMPORTANCIA DEL DISEÑO
La importancia del diseño era tal que algunos cubrieron artistas especializados o ganaron fama a través de su trabajo.El talento de muchos fotógrafos e ilustradores de dentro y fuera de la industria de la música se han utilizado para producir una amplia gama de memorables LP / CD cubre.
El diseño físico de las cubiertas del álbum ha sido el tema de la innovación creativa. La nuez de Ogden escindida por las pequeñas caras estaba originalmente en una lata circular del metal, y feliz de encontrar - apesadumbrado por Horslips estaba en un paquete octogonal. De todos modos por la Familia se emitió originalmente en un paquete de plástico opaco a través del cual se podía ver un diseño (un bosquejo de Leonardo). Magical Mystery Tour de los Beatles fue lanzado por primera vez como un doble EP con un folleto entre los discos. Sgt. Pimienta contenía una hoja de cartón de imágenes, y The Beatles(a menudo referido como el álbum blanco) contenía cuatro fotos brillantes grandes de los Beatles individuales junto con un collage del cartel-clasificado. En vivo en Leeds por The Who también contenía una generosa cantidad de carteles y material impreso. Led Zeppelin III tenía una cubierta delantera que contenía un disco giratorio que trajo imágenes diferentes a la vista a través de pequeños recortes en la manga exterior. Un efecto similar fue utilizado para el último álbum Physical Graffiti de la banda con recortes de las ventanas de un edificio de piedra marrón. La edición original de los dedos pegajosos por los Rolling Stones tenía una cremallera real incorporada en la imagen de la zona de la entrepierna de un par de pantalones vaqueros.El álbum de Velvet Underground y Nico tenía un plátano de cartón diseñado por Warhol en la portada que podría ser pelado hacia atrás. La firma discográfica Vertigo tenía un diseño en blanco y negro en la etiqueta central que produjo un efecto óptico hipnótico cuando el disco giraba en el plato giratorio.
2.3. EL EMPAQUETADO Y SUS DIFERENTES FORMATOS
La cubierta del álbum es un componente del empaquetado total de un álbum. Especialmente en el caso de discos de vinilo con mangas de cartón, estos paquetes son propensos al desgaste, aunque el desgaste suele tener lugar en cierta medida en las cubiertas contenidas dentro de los casos de plástico. Se podría aplicar una variedad de tratamientos para mejorar tanto su aspecto como su durabilidad, como envoltura de plástico transparente. Muchos productos han estado disponibles para el almacenamiento de discos de vinilo, a menudo de plástico transparente mangas.
La superficie de un disco de vinilo se daña fácilmente, por lo que aparte de la manga de cartón exterior, normalmente hay una cubierta protectora interna para proteger contra el polvo y la manipulación. Normalmente se forma para permitir que se deslice fácilmente dentro de la cubierta exterior. El manguito interior es un papel blanco delgado, ya sea llano o impreso con información sobre otras grabaciones disponibles en la misma compañía, o una funda de papel que soporta una bolsa de plástico delgada. Estos a menudo tienen un corte circular para que la etiqueta de registro se puede leer sin manejar directamente el registro, aunque cuando la manga interna se imprime con letras, que se convirtió en algo común, entonces normalmente no hay agujero. Decca Records utilizó un sistema de codificación de colores en estas mangas donde un color azul denotaba una grabación estereofónica mientras que el rojo denotaba unla grabación monofónica (los reproductores de música mono de la época no siempre eran compatibles con los registros estéreo). Este sistema se inició en la década de 1960 para reducir los costos de envasado.
Los formatos de empaquetado para los discos compactos ensancharon la variedad de presentaciones también, aunque el tamaño del CD significó que las cubiertas del álbum eran no tan grandes.
Además de los aspectos prácticos de la identificación de discos específicos, la carátula de los álbumes sirve para publicitar los contenidos musicales en el LP, mediante el uso de diseño gráfico , fotografía y / o ilustración . Una cubierta del álbum normalmente tiene el nombre del artista, a veces en forma de logo ; y el título del álbum. Ocasionalmente, aunque más común en discos de vinilo históricos, la portada puede incluir un número de referencia; una marca (la etiqueta), y posiblemente una lista de pistas. Otra información rara vez se incluye en la portada, y suele estar en la parte trasera o interior del embalaje, como una lista de pistas junto con una lista más detallada de los que participan en la grabación, miembros de la banda, artistas invitados, ingenieros y productores . En la columna vertebral del paquete, el artista, el título y el número de referencia suelen repetirse para que los álbumes puedan ser identificados mientras están firmemente empacados en un estante.
2.4. CARÁTULAS QUE HICIERON HISTORIA.
"SGT. PEPPER’S LONELY HEARTS’ CLUB BAND", The Beatles, 1967.
Se trata del primer disco que publicó el famoso grupo británico después de su retirada de los escenarios. Este disco nace en medio del auge del rock psicodélico que está considerado como uno de los más revolucionarios de la historia, junto con una de las portadas más comentadas. Sus creadores Jann Haworth y Peter Blake obtuvieron el premio Grammy a la Mejor Portada de Álbum en 1968. El diseñó nació de una idea del propio Paul McCartney, quien estaba obsesionado con que el packaging de este álbum fuera realmente especial. La portada presenta una fotografía de los cuatro componentes caracterizados literalmente como la "Banda de los corazones solitarios del Sargento Pimienta" y posaban junto a sus propias réplicas en cera (prestadas por el Museo Madame Tussauds") y recreaciones en cartón a escala real de celebridades de muy diversos campos: Edgar Allan Poe, Bob Dylan, Marilyn Monroe, Kark Marx, Sigmund Freud... Originalmente se incorporaron también las imágenes de Adolf Hitler, Mahatma Gandhi y Jesucristo pero fueron sustituidos dado que su presencia originó varias polémicas.
Además de esas polémicas, la portada alimentaba la falsa teoría de que Paul MacCartney había fallecido en 1966 y había sido sustituido por William Campbell, con quien guardaba gran parecido físico. Esas "pruebas" de su fallecimiento están en toda la portada e incluso dentro del disco. Las personalidades que aparecían en la portada parecían haber sido convocadas a un funeral ya que se sitúan detrás de un montón de tierra lleno de jacintos, que es una flor relacionada en la mitología con la muerte. Así mismo todos los componentes de la banda portaban un instrumento dorado, excepto Paul que sujeta uno negro. En la contraportada aparecen los cuatro integrantes pero Paul aparece de espaldas, sin mostrar el rostro. También se puede ver en la portada un adorno trenzado que manda el protocolo funerario militar a la izquierda del pecho de los cantantes, en la contraportada, sin embargo, aparece a la derecha. Para más Inri, en la cabeza de Paul se puede leer "Without You", como parte de una canción que ocupa el cuerpo del cantante. Pero no acaba aquí, George Harrison señala la letra de la canción que dice "five o'clock", supuesta hora de la muerte. Por último, aunque hay muchas otras pistas, encontramos en el brazalete que lleva Paul en una foto en el interior de la carátula las siglas "OPD", que en ingles signifivan "Officialy Pronounced Dead".
Por todas estas indicaciones fue una carátula muy polémica y muy comentada ya que parecía que los propios integrantes querían rendirle homenaje al supuesto fallecido. Mucha gente aun cree que realmente el cantante murió y que por la presión del entorno el grupo se vio forzado a no declarar nada, pero dejando su testimonio mediante las canciones y el packaging. Pero es más probable que se valieran del rumor para destacar la figura de Paul McCartney ya que era John Lennon quien gozaba de mayor seguimiento.
Como curiosidad y dado el gran valor que la banda británica le dio al pakaging, debemos mencionar que este disco fue el primero en incorporar las letras de las canciones que aparecen en la contraportada. Nunca antes se habían incluido las letras en los discos.
"ABBEY ROAD", The Beatles, 1969.
En sí todas las protadas de los discos de The Beatles han dado mucho que hablar y se han convertido enreferente, pero son la anteriormente citada "Sgt. Pepper's lonely heart's club band" y la del disco "Abbey Road" las que más profundamente grabadas han quedado en nuestras mentes. Aunque son diametralemente opuestas, ambas son icono de la banda británica y del pop internacional, desde la portada barroca, llena de elementos de "Sgt. Pepper" a la simplicidad de "Abbey Road".
Quizá esa sea la calle más famosa del mundo desde que cuatro muchachos la cruzaran un 8 de agosto de hace más de 30 años, pero no fueron cualquiera: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Star. Un desfile que se realizó para tomar la instantánea que llevaría el disco de despedida del grupo. Si bien es cierto que "Let it be" se publicó un año después, fue grabado con anterioridad, solo que sufrió un retraso por motivos comerciales y artísticos. Durante la grabación de ese disco los problemas entre los integrantes fueron muchos, convirtiéndose en un infierno. Por ello, cuando Paul McCartney le dijo al productor George Martin que querían realizar un último disco, éste se sorprendió. Con una grabación mucho más calmada, cada integrante presentó para este disco sus propuestas y recoge algunos de los singles más característicos y con mejores calidades técnicas de la banda.
La fotografía fue tomada por Ian McMillan en la calle Abbey Road, donde encontramos los estudios de grabación homónimos que produjeron los álbumes de la banda y son, aun a día de hoy uno de los estudios de grabación más importantes a nivel mundial. Es un escenario cómodo y sencillo, al lado del propio estudio, sin necesidad de trasportarse. no hubo tampoco necesidad de vestuario ya que los cuatro aparecen con la ropa que llevaban aquel día. Sin embargo, a pesar del carácter casual que presenta la fotografía, sí hubo algún preparativo previo. La calle había sido previamente cortada al tráfico previamente por la policía, aunque no a los peatones. Por ello en la imagen podemos ver tanto un coche policial como algunas personas que estaban casualmente en la calle. también vemos un Volkswagen blanco (casualmente modelo escarabajo, "beatle" en inglés) que la policía trató de mover de allí. sin embargo, no pudieron encontrar al dueño y quedó como un elemento más de la portada. ese mismo coche sería subastado en Sothebys en 1986 por 2.300 libras.
La imagen se tomó desde el centro de la calle y los cantantes la cruzaron cuatro veces mientras Ian McMilan les capturaba con su cámara varias veces. Para la contraportada el fotógrafo no tuvo que irse muy lejos ya que se tarta de una fotografía de un antiguo letrero con el nombre de la calle que estaba en baldosines empotrados en la una pared de ladrillo. El letrero se ve minimamente tapado por una mujer vetsida de azul en movimiento que pasaba por allí en ese momento. McMillan quería descartar esa instantánea pero fue la favorita del grupo.
"THE DARK SIDE OF THE MOON", Pink Floyd, 1973.
Se trata del noveno álbum de la banda británica de rock progresivo, un disco conceptual que aborda temas como la avaricia, el envejecimiento y las enfermedades mentales (influido en parte por el deterioro mental del antiguo miembro de la banda Syd Barrett). Fue grabado en los estudios de Abbey Road de Londres y se usaron para ello las técnicas más avanzadas del momento como las grabaciones multipista y loops o sintetizadores analógicos. El éxito del álbum fue inmediato a nivel mundial llegando a más alto de la lista Billboard 200 en EEUU. Es el disco que más tiempo ha estado en las listas en la historia, 749 semanas que son 14 años estando en las emisoras. S estima que se vendieron 45 millones de copias siendo el álbum más exitoso de la banda y uno de los más vendidos a nivel mundial.
La portada no se queda atrás en este aspecto. Diseñada por Hipgnosis un colectivo de diseño gráfico británico fundado en 1968 y con gran notoriedad en todo el mundo por la creación de grandes portadas de rock y la cual había diseñado portadas de discos anteriores de la banda. El diseño de ésta corrió a cargo del diseñador George Hardie, elegido por la banda entre un total de siete diseños diferentes. El grupo al completo coincidió en la elección del prisma.
El diseño del álbum en su formato desplegable, mostraba en la portda un prisma que refractaba la luz y salía de él descompuesta en los colores del arcoiris. Éste recorría la carátula para conectarse a otro prisma colocado en contraportada. La inspiración paras su realización fue una fotografía tomada por el famoso diseñador y fotógrafo Storm Thorgerson en una sesión de brainstorming de la banda. El diseño del prisma representa tres elementos propios del grupo: la iluminación en los conciertos, las letras del álbum y el deseo de Richard Wright de crear una portada más «sencilla y pulcra». La creación de este icono finalmente corrió a cargo del diseñador e ilustrador británico George Hardie, colaborador del colectivo Hipgnosis. En 2001, el diseñador y autor de la fotografía inspiradora Storm Thorgerson declaró sobre esta portada: “El prisma hacía referencia a los efectos de luz en los conciertos de Pink Floyd”. El triángulo entendido como un apirámide que es reflejo de la locura y símbolo de la desmesura ambición. Esta forma evoca, según Thorgerson “el cosmos, pero también la locura –explica–. Todos estos aspectos se encuentran en el álbum. El espectro luminoso de la cubierta se prolonga en el dorso del estuche y en el interior del vinilo, para mostrar que todos los fragmentos mostrados en el disco están encadenados”.
En 2003 VH1 posicionó la portada en el cuarto lugar de su lista de las mejores portadas de todos los tiempos y en 2009 los seguidores de la emisora de radio británica Planet Rock lo votaron como la mejor de todos los tiempos.
"ALADDIN SANE", David Bowie, 1973.
Impulsada por el mánager de Bowie la icónica fotografía que aparece del cantante en la portada fue encargada a uno de los fotógrafos más valorados del momento Brian Duffy. Junto a él tenemos la colaboración de Pierre de la Roche como maquillador quien le dibujó el rayo en la cara, convirtiéndose en carcaterística reconocida del cantante y a la que a partir de entonces se le vincularía. El ojo derecho de Bowie se conviertió así en un icono de la cultura Pop. La fotografía original se conserva en el Albert Museum de Londres y está valorada en 3,2 millones de euros.
"UNKNOWN PLEASURES", Joy Division, 1979.
La banda Joy Division formada en 1976, lanzó tres años después su álbum debut "Unknown pleasures" cuya portada se convertiría en su seña de identidad y que hoy la conocemos como una portada muy sencilla que a su vez cautiva por sus formas. Es una banda post-punk ya que evolucionó del punk rock hasta desarrollar un sonido que sería pionero de ese movimiento post-punk, del dark y del rock gótico. No solo poseían un sonido siniestro sino que se advierte una obsesión por la desesperación y la muerte, como resultado de la epilepsia que sufría el vocalista Ian Curtis. Son este primer álbum fueron aclamados por la crítica británica.
La portada presenta una imagen tomada de la Enciclopedia de Astronomía de Cambrige que, originalmente, eran lineas negras sobre un fondo blanco. Estas líneas representan los sucesivos pulsos del primer pulsar descubierto, el CP1919 o PSR B1919+21, por lo que el álbum es también conocido como CP1919. La idea de emplear esta imagen fue del propio batería de la banda Stephen Morrison. Fue el diseñador gráfico Peter Saville quien desarrollo el montaje y la composición de la portada y el resto del formato, mostrando en la portada únicamente esas líneas blancas sobre un fondo negro sin ningún título, aunque ahora la encontramos representada con el nombre del grupo y del álbum.
"LONDON CALLING", The Clash, 1979.
La portada del disco presenta una fotografía que muestra el momento en el que el miembro de grupo Simonon golpea su bajo Fender Precision contra el suelo en la actuación en el Palladium de Nueva York el 21 de septiembre de 1979. La autora de esa fotografía que es a día de hoy un icono del rock fue Pennie Smith quien les acompañaba durante la gira "Clash take the fifth". En un principio se negaba a emplear la fotografía como portada del disco, ya que, no la consideraba una imagen técnicamente buena. Sin embargo Strummer y el diseñador gráfico Ray Lowry, quien les acompañaba también la gira, intuyeron su potencial. Tanto es así que en el 2002 la fotografía de Smith fue nombrada como la mejor fotografía del rock and roll de todos los tiempo por la revista Q, que la describieron así: "captura el último momento del rock and roll – la pérdida total de control".
Joe Strummer consideró ese como el mejor concierto del grupo durante de toda su trayectoria "un alboroto total", comentó, “una de esas raras noches en las que todo sale perfecto, en la que se produce una total comunión entre el público y el grupo”. Sin embargo el protagonista lo vivió de forma muy diferente: "El Palladium tenía asientos fijos, por lo que la audiencia estaba congelada en su lugar", “El concierto estaba yendo bien”, aseguró posteriormente Simonon, “pero no para mí, así que la tomé con el bajo. Si hubiera sido inteligente, hubiera cogido el bajo que llevaba normalmente de reserva, que no era tan bueno como el que destrocé. Cuando veo ahora la portada, pienso que me gustaría haber levantado y mostrado un más poco mi cara”. Según Strummer, “cuando años después bebíamos juntos y recordábamos el momento, Simonon aún se arrepentía de haberlo roto”.
En cuanto al conjunto de la portada, fue Ray Lowry el responsable empleando una tipografía de gran tamaño que abarcaba el lado derecho y el inferior de la portada donde se leía "London Calling", cada palabra con un color diferente. Esta portada es claramente reflejo de la del álbum debut de Elvis Perley. Ray Lowry había comprado un vieja copia de ese álbum durante la gira y dormia con ella a los piés de su cama. Su intención, más que satirizar una portada icónica, fue “rendir un homenaje al genio totalmente original, desconocido e inspirado que creó el diseño del primer disco de rock and roll de Elvis Presley”. También reconoció haberse inspirado en “el extraño poder de las letras rosas y grises y la rotunda vitalidad de la foto de Elvis”.
Homenaje o plagio, no importa porque se ha convertido en una de las carátulas más importantes de toda la historia. Ambas fueron testimonio de un comienzo: la de Elvis como la primera portada de rock and roll que abría todo lo que el cantante traería consigo, y la de The Clash como un giro en la carrera de la banda que incorporó a su música el ska, el reagge, el rockabilly, el soul y el pop, y fue un nuevo rumbo para el rock.
"LONDON CALLING", The Clash, 1979.
La portada del disco presenta una fotografía que muestra el momento en el que el miembro de grupo Simonon golpea su bajo Fender Precision contra el suelo en la actuación en el Palladium de Nueva York el 21 de septiembre de 1979. La autora de esa fotografía que es a día de hoy un icono del rock fue Pennie Smith quien les acompañaba durante la gira "Clash take the fifth". En un principio se negaba a emplear la fotografía como portada del disco, ya que, no la consideraba una imagen técnicamente buena. Sin embargo Strummer y el diseñador gráfico Ray Lowry, quien les acompañaba también la gira, intuyeron su potencial. Tanto es así que en el 2002 la fotografía de Smith fue nombrada como la mejor fotografía del rock and roll de todos los tiempo por la revista Q, que la describieron así: "captura el último momento del rock and roll – la pérdida total de control".
Joe Strummer consideró ese como el mejor concierto del grupo durante de toda su trayectoria "un alboroto total", comentó, “una de esas raras noches en las que todo sale perfecto, en la que se produce una total comunión entre el público y el grupo”. Sin embargo el protagonista lo vivió de forma muy diferente: "El Palladium tenía asientos fijos, por lo que la audiencia estaba congelada en su lugar", “El concierto estaba yendo bien”, aseguró posteriormente Simonon, “pero no para mí, así que la tomé con el bajo. Si hubiera sido inteligente, hubiera cogido el bajo que llevaba normalmente de reserva, que no era tan bueno como el que destrocé. Cuando veo ahora la portada, pienso que me gustaría haber levantado y mostrado un más poco mi cara”. Según Strummer, “cuando años después bebíamos juntos y recordábamos el momento, Simonon aún se arrepentía de haberlo roto”.
En cuanto al conjunto de la portada, fue Ray Lowry el responsable empleando una tipografía de gran tamaño que abarcaba el lado derecho y el inferior de la portada donde se leía "London Calling", cada palabra con un color diferente. Esta portada es claramente reflejo de la del álbum debut de Elvis Perley. Ray Lowry había comprado un vieja copia de ese álbum durante la gira y dormia con ella a los piés de su cama. Su intención, más que satirizar una portada icónica, fue “rendir un homenaje al genio totalmente original, desconocido e inspirado que creó el diseño del primer disco de rock and roll de Elvis Presley”. También reconoció haberse inspirado en “el extraño poder de las letras rosas y grises y la rotunda vitalidad de la foto de Elvis”.
Homenaje o plagio, no importa porque se ha convertido en una de las carátulas más importantes de toda la historia. Ambas fueron testimonio de un comienzo: la de Elvis como la primera portada de rock and roll que abría todo lo que el cantante traería consigo, y la de The Clash como un giro en la carrera de la banda que incorporó a su música el ska, el reagge, el rockabilly, el soul y el pop, y fue un nuevo rumbo para el rock.
"NEVER MIND", Nirvana, 1991.
Esta portada es indiscutiblemente una de las más conocidas de la historia, y aunque no hayamos escuchado su música la identificamos de inmediato. Si bien esta no fue la primera propuesta presentada; ya que, en principio el cantante Kurt Cobain quiso incluir una de sus instantáneas personales, decantándose por una que representaba un mono de juguete.
Sin embargo, al consultarlo con el diseñador de la discográfica, Robert Fisher, deciden dejarlo un lado y buscar otras posibilidades. Tras una conversación sobre un documental sobre partos en el agua se ponen a buscar fotografías de ese estilo donde se represente a un bebe recién nacido flotando en el agua. Cuando encontraron la adecuada su autor les pidió demasiado dinero, asi que, porqué no realizarla ellos mismos. Durante una sesión de 3 horas y con Kirt Weddle tras la cámara, realizan un reportaje a tres parejas con sus bebés, niños y niñas. De entre todas las fotografías tomadas eligieron una donde el bebé Spencer Kenneth Royce Elden sale flotando sonriente. Como remate incorporaron un anzuelo y un sedal que parece que niño persigue. La difícil elección fue qué poner en el anzuelo: carne, pescado, un CD... Finalmente, el propio Kurt Cobain propone un billete, culminando la escena. Se prepara el empaquetado final llevando la primera instantánea de Cobain al interior del álbum. El diseño es totalmente aprobado por el grupo.
Sin embargo, al aparecer explicitamente el sexo del bebé, se teme que no se quiera lanzar, que algunas tiendas no quieran venderlo y que no tenga ventas, por lo que se prepara una versión con el sexo tapado bruscamente. Sin embargo, Kurt Cobain se negó a que fuera censurado y opina que si tiene que ser tapado se con una pegatina que ponga “Si te ofendes por esto, entonces es que eres un pedófilo encubierto”. Finalmente se publicó el original y fue un disco que supuso una liberación del rock hacia el grunge y el underground.
Muchos prestaron más atención a la desnudez del bebé que al concepto que lleva el diseño de Fisher: una persona corrompida por el dinero y la sociedad capitalista nada más nacer. Que lo podamos extender al poder económico de una multinacional, su poder para corromper la integridad de un artista y los problemas posteriores de Kurt Cobain no suena tan descabellado. Por si acaso, las palabras de su diseñador apuntan en esa dirección: “Aunque a Kurt Cobain le gustaba pensar profundamente en su trabajo desde un punto de vista intelectual, nunca dio una explicación racional del diseño. Siempre asumí que el bebé desnudo simbolizaba su propia inocencia, que el agua representaba un entorno extraño y el sedal y el billete de dólar, su faceta creativa entrando en el mundo del rock corporativo”.
LOS DISCOS MÁS VENDIDOS EN LA HISTORIA DE LA MÚSICA
Como anexo en a este punto, parece interesante al menos mencionar algunos de los discos más vendidos de la historia, entre los que también incluiríamos el ya mencionado "The Dark Side of the Moon" de Pink Floyd. Sirve este punto para echar un vistazo a las carátulas, que si bien el ámbito del diseño gráfico no son tan importantes, hay que decir que al ser discos tan vendidos, sus carátulas son igualmente reconocibles.
Thriller (Michael Jackson)
El sexto álbum de estudio del cantante estadounidense, lanzado al mercado en octubre de 1982, es una mezcla genial de ritmos funk, pop, R&B, rock y música post disco que se hizo con ocho premios Grammy en la edición de 1984. Se llevó a cabo con un presupuesto de 750.000 dólares de la época y, en poco más de un año Thriller se convirtió en el álbum más vendido de todos los tiempos, con ventas estimadas en 65 millones de copias en todo el mundo. Michael Jackson fue uno de los primeros artistas en utilizar vídeos musicales para promocionar su música, y con su historia de zombies vivientes no solo consiguió mejorar aún más sus cifras, sino que en 2009 el vídeo fue declarado Patrimonio Histórico por el congreso estadounidense.
Their greatest hits (Beegees)
Este álbum lanzado por la banda estadounidense de country rock está considerado como uno de los mejores de los años 70. Nueve sencillos del recopilatorio fueron bestsellers. Con 29 millones de copias vendidas en Estados Unidos y 13 en todo el mundo, hasta la muerte de Michael Jackson en 2009 -que aumentó las ventas de Thriller- era considerado el álbum más vendido de Estados Unidos.
Saturday night Fever (BSO)
Compuesta e interpretada por The Bee Gees y publicada en 1977, se trata de la banda sonora más vendida de todos los tiempos y que lanzó completamente al estrellato a John Travolta. El álbum ha sido platino 15 veces en Estados Unidos.
3. ARTISTAS DETRÁS DE LAS CARÁTULAS
En este punto trataremos de dar visibilidad a los autores detrás de las portadas, que al contrario que sus trabajos no son tan resonados sus nombres en este ámbito. Así pues, ya que se podría hablar de miles de nombres cada uno con un estilo y una importancia diferente, se han selecionado tres. Cada uno de ellos proveniente de una disciplina distinta para ver cómo desde todas ellas puede haber participación en el diseño gráfico musical. Así pues, Reid Miles abarca las portadas como diseñador gráfico, Andy Warhol como artista de las artes plásticas y Barry Feinstein desde el ámbito fotográfico.
REID MILES
Como revolucionario en el uso de la tipografía como reclamo gráfico, Reid Miles hizo de las portadas de jazz lugar de experimentación y desarrollo de su particular estilo. Con más de 500 carátulas a sus espaldas, es considerado uno de los mejores diseñadores gráfico en el ámbito musical y uno de los que realmente consiguieron reflejar en la portada el contenido del disco.
Nació en Chicago en 1927, pero tras el Crack de 1929 sus padres se divorciaron y, como muchos otros estadounidenses, se trasladó junto a su madre y su hermana menor a Long Beach, California. Al terminar la escuela de secundaria se unió a la Armada. A su vuelta, se inscribió en el Chouinard Art Institute, aunque no por vocación. Como declaró en alguna entrevista, lo hizo debido a una chica con la que estaba saliendo en ese momento. La relación fracasó pero surgió dentro de Miles una inquietud por el arte y el diseño que le hizo decidir lo que quería.
En 1950, tras los estudios en el Chouinard Art Institute, se trasladó a Nueva York, sede del diseño y la publicidad por excelencia en ese momento. Sus comienzos se dieron en la revista Esquire y como ayudante del diseñador John Hermansader, quien trabajaba para la discográfica Blue Notes. Fue éste quien comenzó el estilo distintivo de las producciones de la discográfica, pero se le debe a Miles su máxima expresión. Y es que, Miles fue contratado en 1955 como director artístico de la firma y trató de continuar la estética de su antecesor; sin embargo, su trabajo fue una evolución de lo anterior llevando a un nivel superior. Dejó la firma en 1967 al retirarse Alfred Lion, productor y uno de los fundadores de Blue Notes. Después de su andadura en la firma continuó con el diseño gráfico llegando incluso a cobrar 1 millón de dólares al año por realizar anuncios para Coca-Cola inspirados en los cuadros de Norman RockWell. Pero a partir de 1971 y coincidiendo con el cierre de la discográfica que lo puso en lo más alto, dejó el diseño gráfico para dedicarse por completo a la fotografía, disciplina que había empleado para sus diseños durante toda su carrera, hasta su muerte en 1993.
Antes de hablar del estilo y los diseños de Miles, debemos mencionar que su desarrollo fue posible, en gran parte, dada la filosofía interna de Blue Notes, ya que a diferencia de otras discográficas confiaba en los artistas a los que representaban. Estaban abiertos a la experimentación musical y dejaban libertad al músico para crear su propio arte, sin condicionarle en qué o cómo debían producir. Todo esto derivó a unos sonidos mejorados, artistas relajados y la comodidad de todos los involucrados que se plasmaron perfectamente en vinilo. Además, aunque la mayoría de la música que produjeron estaba dirigida a un público muy amplio, apostaron también por músicos de jazz menos conocidos y algo excéntricos. Se ve en esto que la discográfica no tenía como único objetivo ganar dinero sino también participar en los nuevos desarrollos musicales que quedarían inscritos en la historia del jazz. Hablamos por tanto de libertad creativa que quiere que el artista sea un artista, y ese pensamiento no se limitó solo a la música sino también a las portadas que la presentarían. Por ello, las portadas de Miles son reflejo del jazz, el jazz representado gráficamente.
Al ver las portadas de Miles pronto nos damos cuenta de que hay únicamente tres elementos que las componen: la tipografía, la fotografía y el color. Es la mezcla y la compensación de éstas las que hacen a cada portada única y perfectamente equilibrada. Muchos son los que afirman que en sus portadas se ve el jazz y fue capaz de representarlo solo con el juego de estos simples recursos. Fue el momento en el que el uso de la tipografía como elemento gráfico empezaba a darse y llegaba a Estado Unidos mediante algunas publicaciones. Miles tomó parte en esta corriente experimental consiguió crear gracias a las letras y las palabras composiciones claras e impactantes. En cuanto a la fotografía, se apoyó en el trabajo de Francis Wolf, quien lo había contratado para la discográfica y quien supo capturar el jazz en imágenes. Los tres elementos se compensan en las composiciones donde si es la fotografía debe destacar se reduce la potencia de la tipografía y el color aparece como elemento compositivo. Si en vez de ello es la tipografía la protagonista, la fotografía se aparata para dejarle mayor espacio. En muchas ocasiones es una combinación equitativa de ambas lo que hace que se note la dedicación exclusiva a cada diseño. Portadas donde el título del disco esta sostenido sobre el cigarrillo del cantante retratado o donde un gesto de este sirve de soporte para colocar su nombre. En todas ellas aparece el color, que varía dependiendo de las necesidades. Cuando ha de ser calmado se baja su tono pero si desea llamar la atención y provocar contraste se eleva a 100. En ocasiones es solo un toque de color que resalta una parte concreta de la portada, pero es donde Miles quiere que dirijamos la mirada.
Y quién nos iba a decir que, a pesar de realizar las portadas más representativas y las que mejor reflejan el jazz, Miles no era un fanático de este género musical. Admirador de la música clásica, no mostró interés por el jazz. Es más, solía recibir una o dos copias de cada LP que diseñaba y los regalaba a amigos o los vendía en tiendas de discos de segunda mano. El estudio de diseño gráfico Experimenral Jetset plantea sobre ello una merecida reflexión: "Es interesante ver que un diseñador que realmente logró capturar la esencia de su tiempo, también estaba, de alguna manera, desconectado de esa misma esencia... quizás sea la 'distancia', no el compromiso lo que hace al diseñador". Parece increíble que alguien quien no valoraba ese género musical fuera capaz de trasmitirlo de manera tan acertada mediante el diseño. Parece que debe ser un gran aficionado para poder captar las sutilezas y la delicadeza del jazz para poder crear portadas que son jazz para la vista. Pero quizá fuera esa la clave de su éxito, quizá el alejamiento personal de su producción profesional le hizo crear portadas que atraerían a todos. Un conocimiento externo de la música que debía representar sin llevarlo al terreno personal pudo causar en el la interpretación más objetiva evitando gustos o detalles particulares.
Como curiosidad y dado que vamos a hablar de él a continuación, mencionar que Reid Miles trabajó en colaboración con Andy Warhol en varias ocasiones. Fueron ambos amantes de su profesión y ambos coincidieron en la discográfica Blue Notes. Si bien es cierto que fue Miles fue el que definió el estilo de la firma, la empresa tuvo muy diversos colaboradores entre los que está Warhol. En los resultados de la unión de estos dos artistas vemos la ilustración de Warhol y la composición de Miles. Su amistad se hizo notable y Miles llegó a posar desnudo para uno de los retratos del artista.
Colaboraciones de Reid Miles y Andy Warhol.
ANDY WARHOL
Si hablamos de Pop Art, son las latas de sopa Campbell y el rostro de Marylin Monroe lo primero que nos viene a la cabeza. Las archiconocidas obras del principal exponente del arte pop son las referencias más nítidas que tenemos de éste movimiento. Sin embargo, su colaboración en el mundo de la música no es tan conocida a pesar de que fuera una herramienta clave para la evolución de su arte y su acercamiento a las celebrities del momento.
El artista pop nació en Pittsburg en 1928, fue el precursor del movimiento pop y marcó la evolución y el cambio en el concepto de arte que nos ha llegado hasta hoy en día. Su obra fue una representación de cultura estadounidense de la época. Como han hecho los artistas durante toda la historia del arte, Warhol se fijó en la naturaleza que le rodeaba y la representó. Esa naturaleza sin embargo, no son paisajes románticos ni idílicos sino los productos de consumo que estaban en auge en ese momento, incluyendo las estrellas de cine y música (latas de sopa Campbell, botellas de CocaCola, Marylin Monroe, John Lennon…). La realidad del mundo había cambiado y Warhol la plasmó en sus obras. De la misma forma tomó también imágenes más polémicas (como la representación de la silla eléctrica, cargas policiales contra manifestantes por sus derechos civiles...) que igualmente eran reflejo del mundo en que vivía.
En cuanto a su colaboración en el mundo de la música y su diseño, durante su trayectoria, entre 1949 hasta 1987, realizó más de 60 portadas de discos moviéndose en todos los géneros musicales. Se movió en el diseño gráfico desde su juventud ya que sus primeros trabajos fueron como ilustrados y publicista en diversas revistas de Nueva York. Éstas portadas sin también reflejo de ese gusto estadounidense, desde la posguerra hasta finales de los ochenta, que Warhol representaba en su obra pictórica, abarcando la música clásica, la ópera, el ballet, el jazz, el minimalismo, la música experimental, el rock, el pop, el soul, la música disco, el punk y el new wave.
EL PLÁTANO QUE SE CONVIRTIÓ EN ICONO.
Un objeto cotidiano, extraído de cualquier supermercado fue la imagen elegida por Warhol para su disco como productor del grupo The Velvet Underground. Su colaboración con este grupo se debe a que al ver actuar al grupo de rock experimental en 1965, quedó inmediatamente fascinado y se sentía identificado con su música. Para él era la expresión musical de su arte. Se convirtió en manager del grupo e introdujo a la modelo y cantante alemana Nico en el grupo. Lanzaron el álbum debut “The Velvet Underground & Nico” bajo la carátula que se convertiría en una de las más famosas de todos los tiempos. En la primera tirada que se produjo del disco el plátano era una calcomanía, la cual estaba adornada con las instrucciones “Peel slowly and see” (pela lentamente y verás). Al quitar la pegatina del cartón, se revelaba un plátano del color del músculo humano, lo cual era una indiscutible referencia a los genitales masculinos. Sin embargo, las siguientes impresiones se realizaron únicamente con la imagen del plátano con su piel. Resultado igual de llamativo, pero mucho menos provocador. Es curioso que en la portada aparezca además del título del disco la firma de Warhol junto al plátano.
DE ENTREPIERNAS VA LA COSA.
Si el plátano de Velvet Underground ya resultaba provocador en su referencia los genitales masculinos, en la colaboración de Warhol con The Rolling Stones para su disco Sticky Fingers (1971) se mostraba directamente la imagen una entre pierna. Eso sí, bajo unos pantalones vaqueros. Si buscamos una carátula polémica, provocadora y confusa en la historia del diseño de disco es ésta la que mejor cumple estos adjetivos. La carátula original fue diseñada por Andy Warhol y se trata de una fotografía que muestra una entrepierna masculina embutida en un estrechos vaqueros en los que se deja ver claramente una protuberancia producida por los genitales masculinos. Además la cremallera de la bragueta no es imagen sino objeto real. Es sin dudad una imagen provocadora y más si tenemos en cuenta los años en los que se produjo.
Es por ello que cuando el disco iba a ser publicado en España, su envase sufrió la censura franquista, siendo calificada como "ofensiva" por la Iglesia Católica de España. Con la fecha de publicación cerca la discográfica recurrió a John Pasche, diseñador gráfico británico que aun hoy está en activo. No fue sin embargo casualidad que lo eligieran a él para realizar una alternativa que evitara la censura, ya que, y aquí viene la segunda confusión que trae este disco, fue el quien diseñó el icónico logo de la banda: los rojos y jugosos labios que sacan la lengua. Este diseño ha sido erróneamente atribuido a Andy Warhol en abundantes ocasiones, ya que fue en este disco donde la portada la diseñó el artista pop donde aparece por primera vez el icono del grupo.
La alternativa que presentó Pasche fue una solución rápida a la par que efectiva ya que representa de forma muy literal el título del álbum (dedos pegajosos). En una entrevista a al diario La Vanguardia Pache describe así su experiencia: ""simplemente me llamó el sello discográfico de los Stones, diciéndome que la portada de Warhol no podía utilizarse allí y que tenía proponer una carátula alternativa para el álbum Sticky fingers [...]. Se trató sencillamente de una idea que surgió de forma instantánea que se me ocurrió como manera de traducir el título en una imagen interesante. Me puse a trabajar con el fotógrafo Phil Jude, y fotografiamos la lata en su estudio de Kensigton. La sacamos y la reprodujimos tal cual, sin retocar nada". El tiempo se echaba encima, "y en un momento dado decidí aferrarme a mi primera idea". La imagen final representa unos dedos de mujer saliendo de un bote de melaza oriental que le aportaba un toque exótico y refleja perfectamente esos "stikcky fingers".
EL MISMO ESTILO EN DIFERENTES ÁLBUMES
En el largo recorrido de Warhol en el mundo de las carátulas vemos como en varias de ellas emplea las mismas técnicas representativas, técnicas usaba también para otros trabajos artísticos como podemos ver en el retrato que le hizo a Michel Jackson. Hablamos concretamente de tres álbumes de artistas completamente diferentes donde se nos presenta una fotografía del cantante manipulada a base de líneas de color. Estas líneas redibujan sobre el retrato las formas de la cara haciéndolo muy dinámico y mostrando varias siluetas de la misma imagen. Se realizan como obras pictóricas que pasan a ser portada se sus respectivos álbumes. Todos ellos están realizados durante su última etapa siendo el producido para Aretha Franklin su última obra.
“Menlove Ave” (1986) - John Lennon
“Aretha” (1986) - Aretha Franklin
OTRAS CARÁTULAS
"The Academy in Peril" (1972) - John Cale "Love You Live" (1977) -The Rolling Stones
"A Program of Mexican Music" (1949) - Carlos Chávez "Blue Lights Vol. 1" (1958) - Kenny Burrell
"The Smiths" (1984)- The Smiths "Det brinner en eld" (1984) - Roland & the Flying Albatross Band
“ANDY WARHOL”, LA CANCIÓN DE BOWIE QUE RETRATA AL ARTISTA POP
Escrita por David Bowie en 1971 y publicada en su álbum Hunky Dory, “Andy Warhol” es una canción acústica donde el cantante británico habla sobre una de sus primeras inspiraciones artísticas: Andy Warhol. Por lo tanto podemos hablar de que, del mismo modo que Warhol retrataba a los artistas, los cantantes también lo retrataron a él, en este caso de manera musical. La canción comienza con una serie de extraños tonos electrónicos que va desvaneciéndose hacia una charla de estudio en la que el productor Ken Scott pronuncia mal el nombre de Warhol y Bowie lo pronuncia repetidamente de la manera correcta. Tras enviarle una copia adelantada al artista, Bowie la interpretó para él. Sin embargo, teniendo en cuenta la reacción mínima que Warhol solía mostrar, Bowie nunca supo de forma segura si le gustó o no.
Escrita por David Bowie en 1971 y publicada en su álbum Hunky Dory, “Andy Warhol” es una canción acústica donde el cantante británico habla sobre una de sus primeras inspiraciones artísticas: Andy Warhol. Por lo tanto podemos hablar de que, del mismo modo que Warhol retrataba a los artistas, los cantantes también lo retrataron a él, en este caso de manera musical. La canción comienza con una serie de extraños tonos electrónicos que va desvaneciéndose hacia una charla de estudio en la que el productor Ken Scott pronuncia mal el nombre de Warhol y Bowie lo pronuncia repetidamente de la manera correcta. Tras enviarle una copia adelantada al artista, Bowie la interpretó para él. Sin embargo, teniendo en cuenta la reacción mínima que Warhol solía mostrar, Bowie nunca supo de forma segura si le gustó o no.
BARRYFEINSTEIN
El gran fotógrafo que retrató las portadas de los álbumes de artistas como Bob Dylan y Janis Joplin, falleció hace seis años dejándonos la vida de los cantantes y bandas de rock retratadas a cada instante. Capturó no solo las imágenes que se convertirían en la portada de los álbumes sino también la larga secuencia de momentos que envuelven el desarrollo de su música.
Nacido en Filadelfia nunca fue fotógrafo profesional, sino que fue autodidacta, pero consiguió hacerse hueco entre las más grandes estrellas del cine y de la música convirtiendo sus fotografías en blanco y negro en reflejo de sus vidas. Su carrera comenzó desde abajo y siendo constante y algo astuto para poder avanzar. Sus dotes y afición por la fotografía las adquirió intuitivamente tras realizar unas instantáneas en un circuito de Atlantic City donde trabaja en 1955 en las que ya se aprecia una gran capacidad de crear atmósfera y capturar el detalle. Ese mismo año lo contrataron en la revista Life para los que cubriría eventos como el concurso de Miss America.
Cuando estaba cerca de cumplir los veinte,fue contratado como asistente de producción por Harry Cohn, director de Columbia Pictures, por lo que se mudó a Hollywood. Estuvo pasando por diversos departamentos aprendiendo un poco de todo pero si algo le intrigaba era fotografiar lo que pasaba tras los escenarios. Él mismo así lo explica "No quería fotografiar el final del glamour", dijo. "Fue lo que estaba" detrás de la escena "lo que me interesó: la parte de Hollywood que nadie piensa o mira". Es por ello que, en sus fotografías no vemos únicamente los grandes momentos de los artistas sino que se muestran sus situaciones más intimas y en situaciones alejadas de los focos. Para esas primeras fotos se valió del nombre de Harry Cohn, lo que le abrió muchas puertas acompañado de su Nikon. De alguna manera se hizo pasar por fotógrafo profesional hasta que se convirtió en uno. Tuvo acceso a las prometedora estrellas. Confiado y educado, no le impactaba encontrarse con las estrellas sino que tuvo sensibilidad para captar lo inusual de ellas, lo que no muestran al mundo. Por ello, es conocido por atravesar la armadura y mostrar al ser humano dentro del icono. Además de realizar los retratos formales que le pedían, su instinto le hacía buscar el momento dramático o el detalle revelador. Acompañó a Marlon Brando a una manifestación por los derechos civiles y capturó al actor cuando era insultado por los contramanifestantes racistas. Cuando le dieron acceso a la habitación de Marilyn Monroe unas horas después de su suicidio, fotografió el frasco de píldoras junto a su cama .
Marlon Brando en una manifestación por los derechos civiles, Torrance, CA. 1963.
El bote de pastillas en la habitación de Marilyn Monroe horas después de su suicidio, Brentwood, CA. 1962.
Su estrecha relación con el cantante Bob Dylan y por la que más se conocea Barry comenzó por parte de su primera mujer Mary Travers. En 1958, Barry conoció a Albert Grossman quien lo contrató para fotografiar el concierto de un grupo folk llamado Peter, Paul and Mary. Ésta última sería su mujer, quien lo llevaría posteriormente a ver al entonces joven Dylan en una cafetería en el East Village de Nueva York. Cuando Dylan vio por primera vez el trabajo en blanco y negro de Feinstein quedó impresionado y comento sobre sus "ángulos" y su "atmósfera" austera, que le recordaba al trabajo de Robert Frank, una gran figura de la fotografía y el cine estadounidense. Desde entonces su relación se estrechó y Feinstein fue testigo de y reportero de los momentos más íntimos del cantante, acompañándolo en las giras. De una sesión de tan solo 10 minutos con el cantante obtuvo el intenso retrato que se convirtió en la portada del tercer álbum del cantante, "The Times They Are a-Changin". Éste sería el primero de varios retratos de portadas de álbumes de grandes artistas que realizaría. Entre ellos está el disco "Pearl" de Janis Joplin, cuya sesión de fotos tuvo lugar la noche antes de que la cantante muriera por sobredosis, o el del álbum "All Things Must Pass" del ex-Beatle George Harrison, que aparece sentado en su jardín rodeado de gnomos ornamentales.
"The Times They Are a-Changin", Bob Dylan.
"Pearl" Janis Joplin.
"All Things Must Pass", George Harrison.
También rozó la controversia por las imagenes que empleo para algunas portadas. Por ejemplo, en el álbum "Outta Season" de Ike y Tina Turner, los cantantes aparecen con la cara pintada de blanco mientras comen sandía. Para "Beggars Banquet" de Rolling Stones de 1966 propuso una fotografía de un baño público pintado con grafíti entre los que estaban algunos dibujados por los propios Keith Richard y Mick Jagger como el que se puede leer "Wot No Paper". Sin embargo la imagen fue rechazada por la discográfica de la banda, aunque Keith Richard la definiera como "una portada realmente funky". Tras una disputa entre la banda y la productora, ganó esta última dejando de lado la imagen de Feinstein y sustituyéndola con un diseño basado en las tarjetas de visita que fue comparado con el "White album" de The Beatles. Sin embargo en la reedición de 1984, la banda la recuperó, convirtiéndose en una portada icónica.
"Outta Season", Ike y Tina Turner.
"Beggars Banquet" The Rolling Stones, 1966.
"Withe Album" The beatles.
"Beggars Banquet" The Rolling Stones, 1984.
Feinstein tuvo cierto contacto con el cine trabajando como cámara en el documental del festival de música Monterey Pop de 1968 y dirigiendo la película de temática hippie "You Are What You Eat". En 1970, fundó junto a Tom Wilkes un estudio de diseño gráfico Camouflage, en el que crearon portadas memorables como "GP" de Gram Parsons, "The Gilded Palace of Sin" de Flying Burrito Bros y el álbum debut homónimo del cantante Eric Clapton.
En 1974 se reencontró con Bob Dylan and The Band al ser contratado como fotógrafo oficial para la gira mundial de ese año. Fue en durante esa gira cuando Feinstein capturó la imagen que llevaría la portada de su siguiente álbum en vivo "Before the Flood". En ella se ve a un mar de gente que sostienen en lo alto llamas luz durante uno de sus conciertos.
"GP" de Gram Parsons
"The Gilded Palace of Sin" de Flying Burrito Bros.
"Eric Clapton" de Eric Clapton.
En 1974 se reencontró con Bob Dylan and The Band al ser contratado como fotógrafo oficial para la gira mundial de ese año. Fue en durante esa gira cuando Feinstein capturó la imagen que llevaría la portada de su siguiente álbum en vivo "Before the Flood". En ella se ve a un mar de gente que sostienen en lo alto llamas luz durante uno de sus conciertos.
"Before the Flood" Bob Dylan / The Band.
Feinstein continuó trabajando como fotógrafo, realizando grabaciones de viajes y retratos de estrellas de rock hasta comienzos de la década de los 90, ya que, en 1993, resultó gravemente herido en un accidente de tráfico cerca de su casa en Woodstock. Durante la larga recuperación, comenzó a editar su archivo. Que le llevaría a publicar dos libros en 2008. El primero titulado Hollywood Foto-Rhetoric: The Lost Manuscript" presenta una colección de retratos de estrellas de cine que realizó en sus primeros años. Incluía también una secuencia de poemas en prosa escritos por el propio Bob Dylan en la década de los sesenta inspirados en esas fotografías. Aunque sí fue publicado, Feinstein no estaba nada contento con el resultado ya que no entendía sobre la edición de libros. El segundo, "Real Moments" trata directamente sobre el cantante recogiendo en él las fotografías de su tour de 1966. En ellos se ve la clara intención que siempre tuvo Feinstein : "Quería que mis imágenes dijeran algo", escribió Feinstein. "Realmente no me gustan los retratos de pie, no hay nada allí, no hay vida, no hay sentimiento. Estaba mucho más interesado en capturar momentos reales". Esta serie de fotografías fueron expuestas un año después de la publicación del libro en la National Portrait Gallery de Londres.
Barry Feinstein "Hollywood Foto-Rhetoric"
Barry Feinstein "Real Moments"
5. ACTUALIDAD
El constante desarrollo de la tecnología y los nuevos medios que se crean para la reproducción y acceso a la música están haciendo que el diseño gráfico discográfico empiece a desaparecer, no teniendo tanta fuerza como antes. Debido al cambio total que ha habido respecto a cómo se consume la música desde hace solamente unos quince años hasta ahora, está causando la desaparición de la masiva producción en formato físico y se da mucho más vía digital. Esto obliga a los artistas y las discográficas a buscar nuevos medios para generar negocio, volcando sus esfuerzos en adaptarse a los nuevos medios y obtener ganancias por otras vías que no sean los discos.
En estos momentos la industria discográfica está sufriendo una nueva crisis debido, en gran medida, a que las nuevas tecnologías permiten el consumo musical de manera digital. Son formatos trasportables y traspasables que se pueden reproducir en un sinfín de instrumentos electrónicos, ser enviados digitalmente y ser reproducidos de un aparato a otro de forma inalámbrica. Además internet facilita su consumo online sin necesidad de descargas, empleando aplicaciones o páginas web. Para las generaciones más jóvenes la existencia de tiendas de discos es ridícula ya que ahora no se entiende esa manera de consumir música. Las ventas de discos han disminuido por ese cambio en el consumir de esa música. La opinión de algunos respecto a estos nuevos medios es que hacen que se menosprecie al artista y no se valore el trabajo que desarrolla. Sin embargo, vemos una tendencia más positiva respecto a esto y los propios artistas son conscientes del poder de difusión que todo esto les aporta. Ellos mismos los emplean para dar a conocerse y difundir sus creaciones, a sus fans más arraigados y a posibles nuevos seguidores Simplemente, el formato físico va quedando reemplazado por los medios digitales y existe una necesidad de buscar otros medios mediante los cuales obtener beneficio y poder seguir generando música. Por ello vemos que cada vez se hace mayor hincapié en el desarrollo del merchandising, en la promoción de conciertos y festivales, la producción audiovisual y en la adaptación de la identidad visual del disco o el grupo a soportes digitales.
Es por lo tanto que el papel del diseñador aún es muy importante a la hora de comunicar en la música. El diseñador Shaugnh McGrath, responsable de diseño de U2, dice que siempre existirá una necesidad de recibir información visual relacionada con la música, sea de la forma que sea, y que la calidad de los trabajos será lo que el consumidor del siglo XXI demande. Teniendo en cuenta los actuales medios de consumo de la música, es muy importante lo audiovisual (videoclips, publicidad, video promocionales, directos de los conciertos, las redes sociales…), como ya ocurrió con el boom de los video musicales cuando se convirtieron en el estándar de la industria musical.
Si bien es cierto que ahora no es simplemente la portada de un disco lo más relevante, sino que queda en un segundo plano, es a partir de éste que se desarrolla toda la identidad visual. Es el disco (ya sea de manera digital o física) lo que determina el éxito de los artistas o los grupos. Sin disco no hay música. Por lo tanto el diseño gráfico musical ahora mismo se apoya en él para desarrollar todo lo que va a suceder a su alrededor. Es decir, la carátula y la identidad visual que en ella se plasma estarán presentes en todo lo que se produzca entorno a la música que éstos contienen. Por lo tanto la labor del diseño gráfico es más que nunca relevante y tiene que reinventarse a sí mismo para ser capaz de captar la atención en un mundo visualmente contaminado para llegar al público por encima del resto. Como explica Massivo Vignelli en su libro “El Canon de Vignelli”, el diseñador debe tener en cuenta el impacto e innovación de los diseños, dándole importancia a la síntesis semántica del contenido que se quiere comunicar para que, dentro de una gran gama de productos, su creación resalte de manera inmediata sobre el resto. Esto es algo para lo que antes solo era necesaria una portada impactante.
Debido a todo esto, el diseño de carátulas, en la actualidad, está considerado como una rama dentro del diseño editorial ya que es necesario un proceso de maquetación para su realización, similar al de un libro o una revista. Además debe tener una capacidad de adaptación a los diferentes soportes actuales. El diseño de los discos no se reduce solamente a las carátulas sino que poco a poco ha ido abarcando más terreno en ellos. Vemos como todo lo que rodea a esa creación musical tiene una intervención de diseño, digital y analógica, produciendo para ella una identidad visual muy amplia. Desde el disco hasta el contenedor que lo guarda, todo está especialmente elegido y diseñado para esa música, para ese grupo y para esas canciones.
5.1. SOPORTES FÍSICOS
El packaging de los soportes físicos es casi tan variado ahora mismo como la cantidad de artistas dedicados a la música. Hablando en términos generales la industria o la idea del envase y embalaje no comenzó su recorrido como hoy lo conocemos hasta después de la segunda Guerra Mundial. Si bien es cierto que el hombre siempre ha tenido la necesidad de “empaquetar” a fin de preservar el contenido, porque este el verdadero fin del embalaje, hasta que no se dio una mejora en las condiciones económicas de la población el cómo venía preservado un producto no era importante y resultaba costoso buscar soluciones creativas. Es a la revolución industrial a la que debemos la aparición del actual y amplio mundo del packaging, ya que el consumidor se vuelve más exigente y la competencia es abrumadora. Y tal y como evolucionaba de forma general el packaging, también evolucionó en el ámbito discográfico. Partiendo de 1939 con Alex Steineiss y hasta hoy cada grupo musical ha buscado innovar en la manera de presentar su música para poder llegar a más gente.
Si hablamos específicamente del envase y su forma, para cada soporte encontramos una tipología generalizada y, después, nuevos conceptos de protección y uso del producto. En todos los soportes físicos de música se está dando este fenómeno, de forma más evidente en discos y vinilos que es lo que más encontramos en estos momentos en las tiendas. Si hablamos del ejemplo más claro y predominante, el CD, vemos como predomina la tendencia generalizada al uso de una carcasa casi cuadrada de plástico duro en el interior del cual existe una sujeción para el disco y se coloca también la información del contenido (portada, contraportada y booklet).
Disco y casette del albúm Blink-182 (2009) de Blink-182
Pero a partir de esta idea y debido al avance de las tecnologías y los estudios de diseño han aparecido un sinfín de fórmulas nuevas de presentación. En algunas de ellas se vuelve incluso al pasado empleando simples sobres de cartón en los que se coloca la identidad visual en ambos lados y el disco va simplemente insertado dentro. También tenemos una evolución de la carcasa tradicional, en este caso realizado con cartón fino que imita su concepto de apertura y preservación reduciendo costes, facilitando las labores de impresión, y con la posibilidad de disminuir el grosor (que en algunos casos se aprovecha para hacer discos dobles o añadir un booklet más amplio). Como ha ocurrido en todo el diseño y el diseño gráfico en concreto, las nuevas técnicas de corte, impresión, plegado y pegado están dando lugar a una exploración masiva en a la hora de diseñar. Incluso hay una tendencia de packaging experimental con intención de poder explorar nuevas fórmulas, en algunos casos impensables para su producción en serie, que está ayudando a esta reinvención de la carcasa. Es común ver este tipo de envase en ediciones especiales.
"A trio Conspiracy" de Naima. diseñado por Le Gráfico
De la misma forma que lo vemos en los CDs aparece en los vinilos y LPs que están volviendo a ser valorados y por lo tanto comercializados, siendo muy común que con el lanzamiento de un disco se haga su versión en uno de estos dos soportes. Por consiguiente, la identidad visual y el packaging elaborado para el disco debe ser capaz de adaptarse también a éstos. En algunos casos el embalaje es sencillo empleando la forma tradicional de guardarlos y colocándoles los gráficos específicos del disco a ambos lados de la funda de cartón. Sin embargo vemos como poco a poco la misma tendencia de experimentación se desarrolla también en estos formatos.
Edición de vinilo de "Tipsy Turvy" de Argyle Smile.
Vemos como el diseño de la carátula, o el packaging en general, se extiende al disco en sí, empleando el mismo (o variaciones de éste) u otro diseño que en la portada. Nos alejamos así del disco despojado de identidad y podemos reconocerlo fácilmente, incluso si no aparece en él ningún tipo de texto informativo, en algún caso incluso simplemente con el color se hace identificable.
Hablamos también de los booklets, que son los pequeños documentos extraíbles, a modo de folleto, que se incorporan a los discos. En ellos se incluyen fotografías, información del grupo o las letras de las canciones del disco. Éstos deben estar en concordancia también con el resto del paquete, empleando los mismos conceptos de diseño. No en todos los álbumes aparece y dependiendo de si van a ser parte del contenido o no se varía el packaging. En algunos incluso no aparece como un documento independiente sino que directamente se imprime en el mismo envase.
Hablamos también de los booklets, que son los pequeños documentos extraíbles, a modo de folleto, que se incorporan a los discos. En ellos se incluyen fotografías, información del grupo o las letras de las canciones del disco. Éstos deben estar en concordancia también con el resto del paquete, empleando los mismos conceptos de diseño. No en todos los álbumes aparece y dependiendo de si van a ser parte del contenido o no se varía el packaging. En algunos incluso no aparece como un documento independiente sino que directamente se imprime en el mismo envase.
SPLITTING ADAM – “SPLITTING ADAM” (2009)
Esta portada está diseñada por el estudio canadiense Rethink para el grupo Splitting Adam. El packaging del albúm homónimo, que traducido significa “Adam dividiéndose”, se basa conceptualmente en un personaje ficticio (Adam) que sufre trastorno bipolar. Para desarrollar esto la portada presenta al personaje, creado a partir de la cara de los cinco integrantes del grupo. La caja se abre dividiendo la cara para mostrar el trastorno. Aparece entonces un holograma del personaje que al girarlo se convierte en un apacible cordero o, hacia el otro lado, un gorila agresivo. En el disco y su contraportada aparece el estado mental de Adam mediante grafismos médicos. Esta portada fue nominada a los premios Grammy al Best Recording Package a su director artístico Jeff Harrison y se premió al equipo Rethink con la medalla de oro de los Lotus Award por el Mejor Embalaje. Vídeo del efecto visual.
ZINKPLAAT - MOOI BESOEDELING
Este packaging para el album “Mooi Besoedeling” del grupo sudafricano Zinkplaat fue diseñado por el estudio de diseño gráfico Fankalo. El nombre del grupo significa metal corrugado y es una banda de pop-rock-blues-fusión. En este caso el título del álbum significa “bella polución” y consiguen trasladar ese concepto de forma brillante en el pankaging. Se presenta como un diseño sencillo en el que solo se ven el nombre de la banda y el disco en la portada y en la contraportada las canciones que contiene. Sin embargo, la superficie gris que rodea esta información es de tinta restable; es decir, raspándola la púa de guitarra que se incluye en el envase, se desprende esa capa de tinta. Lo que vemos debajo es una ilustración con cierto punto surrealista que nos muestra el mundo a todo color. Conceptualmente quitamos la polución que contamina el mundo y no nos lo deja ver. Resulta un producto muy atractivo para el consumidor ya que pasa a tomar parte de ese diseño interactivo.
SHIDLAS – “SALIAMI POSTMODERN”
Este grupo lituano predominantemente de estilo reggae mezcla en sus temas también dubstep, electro, hiphop y espacio exterior. Si bien es cierto que para poder entenderlo es necesario el lituano y algo de italiano, alemán , árabe y sentido del humor. Sus letras son críticas e irónicas respecto a temas polémicos, en este disco titulado “Saliami postmodern” sin ir más lejos tienen temas que van desde los pasatiempos de los niños terroristas hasta un tema absurdo que repite todo el rato “salami, salami, salami salaam aleikum”. Ya que, tanto en el título del álbum como en sus canciones aparece este embutido, el disco no podría ser de otra forma: tiene una impresión con la textura de salami sobre él y el envoltorio es una bolsa de envasado al vacío. La información del disco se coloca como si fuera la etiqueta informativa del embutido real. Es importante en este packaging como se publicita: poniéndolo en contexto como si fuera ingrediente de un sándwich.
ESTUDIO "MODO"
El estudio de diseño gráfico es un ejemplo de las tendencias de packaging experimental. Se dedica casi en su totalidad al pakaging de portadas para discos y vinilos tenemos al estudio MODO. Se trata de un equipo más nuevo y que tiene mucha relación con grupos actuales.
El estudio de diseño gráfico es un ejemplo de las tendencias de packaging experimental. Se dedica casi en su totalidad al pakaging de portadas para discos y vinilos tenemos al estudio MODO. Se trata de un equipo más nuevo y que tiene mucha relación con grupos actuales.
Fue fundado en 1998 como respuesta a la necesidad de crear una empresa especializada en pakaging creativa que sirve al negocio de entretenimiento. Nace como reacción a la constante evolución del mundo del embalaje que ha llegado a nosotros hoy como una rama muy importante dentro del diseño gráfico. Puede considerarse como un estudio visionario que creyó en la necesidad y el auge que ha tenido posteriormente el packaging creativo y experimental. Modo ofrece un amplio rango de productos que están en el mercado pero especializado en diseñar y crear un nuevo concepto de packaging novedoso y excitante que mejore el producto y su presentación al público. Todo ello siempre dentro de las pautas de presupuesto y las condiciones del cliente.
Se trata de un estudio que trabaja a nivel mundial siendo competitivo y teniendo a su alcance una gran variedad de materiales y técnicas con las que trabajar, lo que les permite crear productos sorprendentes y que se adapten a cada encargo. El equipo está formado por gente de talento creativo que permite al estudio poder amoldarse a los diferentes clientes desde EMI a Evian, aportando para cada uno la solución idónea. Gracias a todo esto es capaz de llevar a cabo proyectos que necesiten una producción reducida así como aquello que se vayan a producir en masa.
Por ello, entre sus trabajos encontramos algunos proyectos más sencillos y que siguen la tendencia tradicional a la par de otros en los que emplean las últimas tecnologías para llevar a otro nivel, como el packaging de la banda sonora de la película The Simpsons. Esta edición limitada toma directamente la imagen promocional de la película para convertirla en el envase y embalaje del CD de su banda sonora original. Se basa en una caja típica de donuts de la pelicula americanas en la cual se coloca la imagen de la película (un donuts gigante junto al personaje Homer de la película). En la zona del donuts deja ver lo que guarda la caja: el CD dentro de una caja en forma del mismo donuts con glaseado rosa. Ese envase impreso mediante impresora 3D guarda el disco que también tiene ese alimento impreso. Además el plástico de esas “cajas-donuts” se impregna de olor real a donuts.
Edición limitada para la BSO de la película "The Simpsons".
El mismo concepto emplean para la edición limitada, en este caso para DVDs, que recoge las 7 películas de The Fast and The Furious. En este caso emplean una carcasa en forma de rueda de coche donde van guardados los siete DVDs. En la llanta se graba el logotipo de la película y se hace el conjunto perfectamente reconocible. Este resulta ser el mismo recurso que emplean para el el embalaje de una edición especial del rapero Snoop Dog, donde el disco también esta dentro de una rueda. En este caso sin embargo, el diseño de la rueda se ajusta al estética del rapero.
Edición especial para The Fast and The Furious.
Edición especial para Snoop Dog.
En el caso del packaging realizado para el álbum “The 2nd Law” de MUSE, por petición de la propia banda, para el embalaje se emplea material termosensible con intención de representar la segunda ley de la termodinámica, aludiendo al título del álbum. Esta técnica ha sido previamente fabricada como mecanismo de “revelado de obras de arte”, pero esta es la primera vez que se recurre a él para crear un efecto dramático de tinta de cristal líquido en el embalaje. La producción resultó compleja dada la sensibilidad del material y las muchas pruebas que debieron realizarse para conseguirlo. Pero el resultado es increíble, a la altura del grupo musical. El embalaje cambia de color con el cambio de temperatura, pasando de negro al efecto de cristal líquido ya mencionado.
Edición especial de "The 2nd Law" de MUSE.
Por último, tenemos la edición especial realizada para el grupo británico Kasabian Como uno de los grupos de Gran Bretaña que está ganando fama y presentan grandes temas, realizan una edición especial para su álbum “Velociráptor”. El estudio MODO recurre para ello a una presentación elegante donde la caja de embalaje recuerda un estuche de plumas de escritura y los complementos de sellado. La caja contiene un Cd y un DVD dentro de dos sobres sellados con lacre y junto a ellos el booklet en forma de libro de tapa gruesa. Como detalle especial, esta edición incluye cuatro colgantes en forma de pluma en cuatro medidas realizados en peltre negro.
Edición especial para "Velociraptor" de Kasabian.
5.2. SOPORTES DIGITALES
En cuanto a los soportes digitales hablamos de un amplio campo, desde archivos de audio hasta plataformas de reproducción sin necesidad de descarga. Ahora mismo la forma de escuchar música es muy variada y las nuevas tecnologías inventan cada vez más vías. El modo de escuchar música está cambiando y ya han ganado los medios digitales frente a los analógicos. La facilidad de obtención y traspasar la música digitalmente hace que las posibilidades aumenten y no se queden recogidos en un disco.
En este ámbito el archivo mp3 es el más extendido. Se trata de un archivo de audio comprimido con pérdida; es decir, no es la mejor resolución de sonido que se pueda tener pero es un formato que ocupa menos espacio y se reproduce en casi todos los soportes de audio. Si bien se deja de lado la calidad, su facilidad de manejo es tal que gana sobre ella. Además, para las generaciones que ya crecen alejados de soportes más respetuosos con la calidad, la que el mp3 les aporta es suficiente.
Sin embargo estos últimos años vemos como la tendencia a la descarga, legal o ilegal, también está decayendo. Esto es debido a las plataformas o aplicaciones que dan la oportunidad de escuchar la música online o almacenarla en aplicaciones, en las que, por un módico precio al mes, se puede tener toda la música deseada sin necesidad de conexión a la red.
La expansión de internet trae consigo un nuevo tipo de negocio basado en la descarga (gratuita o de pago, legal o ilegal) de música. Los archivos empiezan a distribuirse de forma digital dejando de lado el formato físico y por ello hay una necesidad de compra o descarga de esos archivos. No queremos escuchar únicamente un cantante o un grupo sino que queremos variedad y mezcla, algo que el formato físico no permite, no nos da opción a elegir que canciones queremos escuchar y cual no. Parece una oportunidad para el oyente poder decidir sobre ese aspecto. Los archivos digitales, al se independientes y contener, por lo general, una única canción pueden variarse al gusto, y los aparatos reproductores de éstos permiten (dependiendo del aparato) almacenar un sin fin de canciones. Así mismo, tal y como existen archivos de descarga, existen plataformas que nos permiten escuchar esa música sin necesidad de descargarlos. Estas plataformas tienen gran ventaja de difusión musical ya que se puede acceder a ellas gratuitamente o por una cantidad asequible al mes que permiten al oyente una gran selección de música que no le ocupa espacio y que abarca la escena musical mundial.
En estos casos el recurso gráfico que se emplea para promocionar dentro de las plataformas un canción, un álbum o un artista, es la presentación de ellos mediante la imagen de la carátula del disco real o lo que sería el disco analógico en el caso de que solo existiera digitalmente. Así mismo, los archivos descargados suelen aparecen presentados en nuestros reproductores con el mismo recurso. Vemos por tanto que es aún muy importante la creación de esa portada, aunque sea para después ser distribuida de manera digital.
La expansión de internet trae consigo un nuevo tipo de negocio basado en la descarga (gratuita o de pago, legal o ilegal) de música. Los archivos empiezan a distribuirse de forma digital dejando de lado el formato físico y por ello hay una necesidad de compra o descarga de esos archivos. No queremos escuchar únicamente un cantante o un grupo sino que queremos variedad y mezcla, algo que el formato físico no permite, no nos da opción a elegir que canciones queremos escuchar y cual no. Parece una oportunidad para el oyente poder decidir sobre ese aspecto. Los archivos digitales, al se independientes y contener, por lo general, una única canción pueden variarse al gusto, y los aparatos reproductores de éstos permiten (dependiendo del aparato) almacenar un sin fin de canciones. Así mismo, tal y como existen archivos de descarga, existen plataformas que nos permiten escuchar esa música sin necesidad de descargarlos. Estas plataformas tienen gran ventaja de difusión musical ya que se puede acceder a ellas gratuitamente o por una cantidad asequible al mes que permiten al oyente una gran selección de música que no le ocupa espacio y que abarca la escena musical mundial.
En estos casos el recurso gráfico que se emplea para promocionar dentro de las plataformas un canción, un álbum o un artista, es la presentación de ellos mediante la imagen de la carátula del disco real o lo que sería el disco analógico en el caso de que solo existiera digitalmente. Así mismo, los archivos descargados suelen aparecen presentados en nuestros reproductores con el mismo recurso. Vemos por tanto que es aún muy importante la creación de esa portada, aunque sea para después ser distribuida de manera digital.
Plataforma de música iTunes.
Plataforma de reproducción de vídeos Youtube.
Plataforma de reproducción de música Spotify.
A parte de los formatos de archivo y las plataformas, en cuanto a medios digitales debemos hablar también de las páginas web, las redes sociales y los medios audiovisuales. Son en ellas donde se hace la gran labor de intentar llegar a más gente y comunicar visualmente al espectador. Digamos que se han convertido en la nueva carátula del disco. Vemos como todos los artistas y grupos emplean estos nuevos medios para la difusión y el aumento de la facilidad de escucha: los más antiguos adaptando y publicando su recorrido en ellos y los más recientes naciendo en gran parte gracias a ellos.
PÁGINAS WEB
A parte de lugares donde se puede reproducir música, en el mundo digital es importante el diseño de las páginas web de los artistas, donde el consumidor va en busca de información e incluso en algunas ocasiones, como ya se ha mencionado antes, tiene opción de descarga de los discos. Estas páginas web reúnen todo lo relacionado con el grupo: identidad vidual, información de conciertos, noticias sobre el grupo o sus componentes, un apartado de comunicación y una tienda online que presenta todo el merchandising. Por lo tanto es muy importante estar atento a los pequeños detalles de cada una de ellas.
Hay que tener en cuenta (como en cualquier página web) la facilidad de navegación en ella y evitar las complejidades a la hora de encontrar la información deseada. Además deben tener concordancia con la identidad visual del grupo y del último disco publicado. Esto último es muy común y todos, o casi todos, los grupos lo hacen: la página web va cambiando con la publicación de nuevos discos. Aunque la página siga manteniendo la estética previa, el diseño del nuevo álbum se incorpora a ella realizando un esfuerzo de adaptación en las dos partes (álbum y página).
Si analizamos las página web de los cantantes o grupos vemos que la gran mayoría sigue una estética clara y emplean elementos muy parecidos en disposiciones variables. Son páginas con un diseño particular y específico para cada uno de ellos pero que en normas generales se parecen mucho. Esto es debido a la funcionalidad del formato y su fácil navegación, sin despistar al espectador y dándole una información. Como rasgo general, en la página de inicio todas presentan un gran imagen del grupo o identificativa de él que abarca toda la pantalla. Es un recurso vidual muy agradable que nos pone directamente en situación. Esta imagen puede que sea fija o puede ser una secuencia de imágenes que cambian cada cierto tiempo. En algunas ocasiones, puede incluso ser sustituida por un vídeo, que puede reproduce un vídeo clip del último álbum lanzado, secuencias de un concierto o un vídeo introductor de la estética del grupo y con el audio de alguna de sus canciones.
Así mismo, en ese primer contacto con la página se nos presenta también la barra de menú que nos dirige a las diferentes secciones de la páginas (Vídeo, Conciertos, Tienda, Contacto, Biografía...). Este menú puede aparecer desplegado de manera que vemos cada apartado o bien comprimido en un botón de menú (que al pulsarlo o poner el ratón sobre él nos despliega las opciones). En algunas ocasiones en ese primer vistazo también encontramos la opción directa de entrar en las redes sociales y al canal de Youtube (como la mayor plataforma de reproducción para su música y sus videoclips). Por lo general, esta página principal tiene más información deslizando el ratón pero, a veces, solo se emplea como portada y para acceder al resto debemos recurrir al menú.
Si analizamos las página web de los cantantes o grupos vemos que la gran mayoría sigue una estética clara y emplean elementos muy parecidos en disposiciones variables. Son páginas con un diseño particular y específico para cada uno de ellos pero que en normas generales se parecen mucho. Esto es debido a la funcionalidad del formato y su fácil navegación, sin despistar al espectador y dándole una información. Como rasgo general, en la página de inicio todas presentan un gran imagen del grupo o identificativa de él que abarca toda la pantalla. Es un recurso vidual muy agradable que nos pone directamente en situación. Esta imagen puede que sea fija o puede ser una secuencia de imágenes que cambian cada cierto tiempo. En algunas ocasiones, puede incluso ser sustituida por un vídeo, que puede reproduce un vídeo clip del último álbum lanzado, secuencias de un concierto o un vídeo introductor de la estética del grupo y con el audio de alguna de sus canciones.
Así mismo, en ese primer contacto con la página se nos presenta también la barra de menú que nos dirige a las diferentes secciones de la páginas (Vídeo, Conciertos, Tienda, Contacto, Biografía...). Este menú puede aparecer desplegado de manera que vemos cada apartado o bien comprimido en un botón de menú (que al pulsarlo o poner el ratón sobre él nos despliega las opciones). En algunas ocasiones en ese primer vistazo también encontramos la opción directa de entrar en las redes sociales y al canal de Youtube (como la mayor plataforma de reproducción para su música y sus videoclips). Por lo general, esta página principal tiene más información deslizando el ratón pero, a veces, solo se emplea como portada y para acceder al resto debemos recurrir al menú.
Página web del grupo Itaca Band
Página web del grupo Pearl Jam
Página web del grupo Bastille.
REDES SOCIALES
Y si hay un lugar donde los artistas se hacen públicos esas son las redes sociales. Si bien las redes sociales ya las conocemos como medio para comunicar a nuestros amigos, conocidos, conocidos de amigos y al final, a todo el mundo, nuestras vidas, los grupos de música lo hacen para contar su propia historia. Bien como medio para estar en contacto con sus seguidores o bien como medio para darse a conocer y maximizar su difusión, las redes sociales se han convertido en clave para éxito.
Son medios de comunicación que llegan muy fácilmente a la gente, sobre todo a los jóvenes, y por lo tanto son un buen lugar publicitario. Son grandes medios de difusión que ayudan a los pequeños grupos que empiezan a darse a conocer, pero si hablamos de viejas leyendas o grupos consolidados antes del boom de estas plataformas vemos como también estos las utilizan. y es que son también válidas para publicitar un nuevo disco, informar de nuevas giras y conciertos o hacer saber a sus seguidores cualquier dato deseado. Es más sencillo comunicar por estas vías ya que la información llega de forma directa sin tener que entrar en la página web de cada artista.
Si nos ceñimos al diseño, podríamos decir que estas plataformas no requieren de un esfuerzo gráfico del artista y su equipo de diseño ya que conllevan su propio diseño donde éstos se publicitan. Pero todo lo que aparece en ellas estas perfectamente pensado para tener concordancia con el grupo, su diseño y su filosofía. La idea principal para el desarrollo del perfil de cada red social se basa en la adaptación de la identidad visual a ellas, podríamos decir que hay mucha relación entre la página web y éstas. Normalmente, siguen una estética idéntica, con las variaciones que requiera el soporte de cada página, empleando las mismas fotografías y apareciendo el logo de una u otra forma. La información que se da en ellas es la misma y se preocupan por que la estética de cada perfil sea adecuado en las visión general. Si bien, dependiendo de la red social a la que accedamos hay ligeras variaciones vemos que todas están en sintonía. Además el perfil en sí se ha de estar renovando continuamente ya sea por el lanzamiento de nuevos álbumes, nuevas giras, nuevos videoclip o por la simple necesidad de estar activos para sus seguidores. También podemos ver que hay dos tendencias: si el grupos es de un cantante en solitario hay mayor tendencia a la publicación de fotografías más personales de este, mientras que en un grupo colectivos se suelen limitar a las experiencias comunes.
Perfiles de Facebook, Twiter e Instagram del grupo Parl Jam
Perfiles de Facebook, Twiter e Instagram del cantante James Arthur.
Además y sobre todo en estos últimos años vemos como hay un esfuerzo por parte de los grupos y los cantantes por hacer que sus fans se sientan cercanos a ello. A esto han contribuido las redes sociales donde muchas veces ya no es solo publicidad e información del grupo lo que se expone sino también a los propios participantes de éste. Con sus ventajas y desventajas muchos artistas han utilizado estas plataformas para hacer más espectáculo o crear un vínculo con espectadores. Se suben a la web imágenes cotidianas, vídeos de su día a día y sucesos que les ocurren, lo que genera en el espectador una sensación de conocer al artista y crear mayor afinidad.
Sin embargo, hay que objetar que esto no es un hecho aislado del mundo de la música sino que ocurre alrededor de otras disciplinas y también entre la gente más común. Simplemente es importante comentar el impacto que estas plataformas han tenido en cuanto a al difusión musical. Generalmente de manera ventajosa para lo grupos pero en ocasiones puede volverse contra ellos, ya sea por noticias falsas o por comentarios desafortunados.
5.3. GIRAS Y CONCIERTOS
Y con cada nueva publicación viene la gira promocional de éste. Esto supone un nuevo esfuerzo de adaptación de la identidad visual presentada en el disco a la cartelería, folletos y publicad que requiere una gira y cada uno de sus conciertos.
Se trata por tanto de una prolongación de la identidad visual al campo público donde los grupos o cantantes se presentan ante el público. Tiene que hacer de manera coordinada con el resto de elementos, sobre todo del disco y la temática y la filosofía que éste lleva consigo. Es por ello que dependiendo de lo que trate un disco o el pensamiento que quiera infundir un grupo se mostraran de un modo u otro. Sabiendo al público al que se dirigen y al que quieren acercar a sus conciertos la estética será específica para ello. Por ejemplo, si hablamos de un cantante del ámbito pop que en sus canciones toque temas de amor o más armoniosos, se presentará de manera más pulcra, más sensible. Sin embargo si hablamos de un grupo como una ideología más marcada y su estilo de música sea más fuerte y agresivo, se presentara algo más agresivo con colores más contrastados o con estética que les defina. Todo esto ya viene en cierta medida marcado por el estilo que se escoge para el álbum y los gráficos o imágenes escogidas para ello. Sin embargo se trata también de que al ver un cartel en la calle o tengamos la entrada en nuestras manos nos sintamos identificados con el grupo. Así mismo también podemos hablar de dos vertientes a la hora de realizar estos elementos. Por un lado, es muy habitual, sobre todo si hablamos de artistas en solitario, que se presente una fotografía de éste, lo que les hace directamente reconocibles. Sin embargo, otra tendencia es colocar los gráficos que representan el disco, sobretodo si en éste no aparece ninguna fotografía y es un diseño puramente gráfico. En algunas ocasiones también puede aparecer combinado en el mismo objeto o usar ambos recursos, cada uno para un objeto específico (por ejemplo, el cartel con la imagen del cantante y la entrada con el diseño del disco.
Se trata por tanto de una prolongación de la identidad visual al campo público donde los grupos o cantantes se presentan ante el público. Tiene que hacer de manera coordinada con el resto de elementos, sobre todo del disco y la temática y la filosofía que éste lleva consigo. Es por ello que dependiendo de lo que trate un disco o el pensamiento que quiera infundir un grupo se mostraran de un modo u otro. Sabiendo al público al que se dirigen y al que quieren acercar a sus conciertos la estética será específica para ello. Por ejemplo, si hablamos de un cantante del ámbito pop que en sus canciones toque temas de amor o más armoniosos, se presentará de manera más pulcra, más sensible. Sin embargo si hablamos de un grupo como una ideología más marcada y su estilo de música sea más fuerte y agresivo, se presentara algo más agresivo con colores más contrastados o con estética que les defina. Todo esto ya viene en cierta medida marcado por el estilo que se escoge para el álbum y los gráficos o imágenes escogidas para ello. Sin embargo se trata también de que al ver un cartel en la calle o tengamos la entrada en nuestras manos nos sintamos identificados con el grupo. Así mismo también podemos hablar de dos vertientes a la hora de realizar estos elementos. Por un lado, es muy habitual, sobre todo si hablamos de artistas en solitario, que se presente una fotografía de éste, lo que les hace directamente reconocibles. Sin embargo, otra tendencia es colocar los gráficos que representan el disco, sobretodo si en éste no aparece ninguna fotografía y es un diseño puramente gráfico. En algunas ocasiones también puede aparecer combinado en el mismo objeto o usar ambos recursos, cada uno para un objeto específico (por ejemplo, el cartel con la imagen del cantante y la entrada con el diseño del disco.
Cartel para concierto de La Raíz.
Cartel para concierto de The Fray.
Entradas para concierto de The Fray.
Entradas para el concierto de Bon Jovi.
5.4. MERCHANDISING
Unido a todo esto hay una necesidad de crear y aumentar el merchandising del grupo con cada publicación de álbum. De la misma manera que disminuye la tendencia a la compra de discos en formato físico, aumenta la de obtener objetos representativos de los grupos. Se ha convertido en una de las nuevas maneras que tienen los cantantes para obtener ganancias, las mismas que antes se obtenían con los discos. Si bien es cierto que el merchandising de los grupos no es algo nuevo, si podemos hablar de su momento de máximo auge. En este ámbito ocurre lo mismo que en el anterior: la identidad visual debe adaptarse a los objetos comerciales. Es otra extensión de todo el diseño previo.
Merchandising para el grupo Txarango: camiseta y chapa.
Merchandising del grupo Vendetta: camiseta, chapa y mechero.
Merchandising para el grupo Aspencat: sudadera, camiseta, bolsa, púas, chapas y disco.
5.5. EJEMPLO DE UNA IDENTIDAD VISUAL COMPLETA.
Como ejemplo de todos los apartados anteriores respecto a lo que esta ocurriendo actualmente, existe la posibilidad de analizarlos en conjunto partiendo del lanzamiento de un disco de un grupo concreto que haya realizado esa labor de diseño total. Así pues, y como reflejo de que es una tendencia que abarca más ámbitos en la actualidad, el análisis se realiza sobre un grupo actual con solo cuatro años de trayectoria: ZOO. De ese modo podemos ver la importancia del cuidado de cada detalle para su publicidad y expansión.
ZOO – RAVAL
Logotipo del grupo ZOO
Se trata de una banda valenciana de rock, rap y ska creada en 2014 de la mano de Antonio Sánchez. Ese mismo año lanzaron su primer álbum "Tempestes vénen del sud" con el que comenzaron su trayectoria musical y dieron 65 conciertos que les haría crecer. Con un caracter e ideología revolucionaria muy marcados sus temas tratan los problemas sociales y políticos del país. Solo con ese disco fueron muy aceptados por el público, sobre todo, catalán , valenciano, vasco y gallego, y su popularidad ha crecido de manera repentina. Así pues, en el 2017 lanzaron su segundo disco "Raval", cuya identidad visual se analiza a continuación.
Como punto base de los característicos grafísmos de la identidad visual tendríamos la portada del álbum. Se puede ver en ella una zona en blanco y negro con el plano más o menos real del barrio del Raval de Barcelona, donde actualmente, a pesar de ser aun una zona obrera y de personas de escasos recursos, se está convirtiendo en una de las zonas donde más se mueve el ambiente cultural. Por otro lado tenemos una visión más alegre del mismo barrio donde aparecen edificios impregnados de flores de colores, viendo el barrio como un lugar donde soñar. Sobre ese diseño aparece el título del disco con tipografía minimalista acompañado por el logo del grupo. Este diseño de portada aborda, en su formato físico, todo el embalaje, tanto por fuera como por dentro.
Portada del disco "Raval" con los grafísmos báscicos en los que se basa la identidad visual.
Embalaje del disco "Raval", vista del interior.
Embalaje del disco "Raval", vista del exterior.
Y partiendo de ese disco y siguiendo dentro de los elementos físicos, pasamos a los conciertos de la gira de presentación de "Raval", que llevaran también la misma estética. Por un lado, el cartelismo que en este caso lleva la misma imagen que la portada del disco con ciertas variaciones: el formato pasa de cuadrado a rectangular y se añade información sobre el concierto. Siempre se realiza de manera que no altere el diseño base (usando el blanco y negro y una tipografía que, aunque diferente, es igualmente clara). Y de ese formato menor pasamos al escenario del propio concierto, donde se coloca el logotipo como elemento principal acompañado por los grafísmos del disco. En este caso sin embargo, para no quitar demasiado protagonismo al logo y al concierto en sí se emplea la parte de la ilustración más sobria, la del plano del Raval.
Cartel para el concierto en Valencia y decoración del escenario.
No menos importante es el merchandising que se venderá en esos concierto, online o en diferentes tiendas físicas. partiendo de su mechandising original donde solo aparece el logo, se manipula para añadirle el aspecto del nuevo disco. Por un lado el representativo mono y las letras de ZOO dejan de ser de un colo plano y se rellenas con las ilustraciones del disco o con los colores de éstas. por otro lado, hay una intervención en la parte posterior de las prendas donde se coloca el título del disco acompañado también por las ilustraciones y/o el color de éstas.
Sudaderas y camiseta de merchandising para el disco "Raval"
Si hablamos de su propagación en los soportes digitales, tenemos varios ámbitos que abordar. Empezando por la página web, se observa que no se emplea una imagen como portada delas página principal sino que se trata de un vídeo gráfico donde se vé el fluir de la tinta en el agua. Aunque si bien no igual que los grafismos de la identidad visual, tiene relación estética con ellos. Además sirve como imagen de acompañamiento a la música que suena cuando accedemos a la página: la intro del disco. Presenta en esa página principal las opciones de menú con todos los apartados desplegados al igual que acceso directo a sus redes sociales y canales de audio. De la misma forma tiene la opción del lenguaje que por defecto aparace en catalán. algo curioso de esta página es que al entrar en el resto de apartado esa portada cambia. En las direntes secciones de la web tenemos otro reproductor, que ahora sí, tiene las ilustraciones del disco. También cambia la canción que podemos escuchar, siendo una del disco "Raval" y que en este caso no se reproduce automáticamente.
Página principal de la web de ZOO
Página de la sección de "conciertos" de la web de ZOO.
Siguiendo con los formatos digitales accedemos ahora a las plataformas de reproducción principales: Youtube y Spotify. En cada una de ellas tienen un canal específico para poner su música. En el caso de la plataforma Spotify, como referente de su estética no tiene demasiado valor pero si vamos a Youtube, se ve un esfuerzo gráfico, no solo en la presentación del perfil sino en la elaboración de los vídeos que acompañan a la música. Por un lado, están los videoclips, los cuales suelen realizar con ayuda de amigos y profesionales emergentes. Pero, por otro lado aparecen unos vídeos de audio donde se emplea la identidad visual del disco con un movimiento constante en el logo de la banda, situado en el centro de la imagen. Aparece también título de la canción y los subtítulos con la letra. También, se realiza con la misma estética un vídeo que recoge todas las canciones del álbum.
Canal de Spotify de ZOO.
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Perfil y videos del canal de Youtube de ZOO.
Por último tenemos las redes sociales, donde el grupo presenta sus últimas novedades teniendo una coordinación entre ellas. Ya que en estas plataformas se trata de informar de manera más directa a los seguidores es donde hay un mayor cambio y movimiento, pero siempre están en consonancia unas con otras. En este caso, por ejemplo, vemos que, dado que empiezan una nueva gira tras la de la presentación del disco "Raval" las tres redes sociales se amoldan a ella, ya que en la página web siempre hay una tendencia a dejar plasmado el último disco. Se presenta pues, un nuevo diseño que se ve en todos los elementos promocionales de la gira: imágenes, carteles, entradas, logotipo... Podemos obeservar que, aunque cada plataforma presenta unas características propias, el diseño se amolda a ellas de manera correcta.
Perfil de Twiter de ZOO.
Perfil de Instagram de ZOO.
Perfil de Facebook de ZOO.
5.6. FESTIVALES
Otro modo de escuchar música que, a pesar de tener un largo recorrido durante la historia, parece que triunfa entre las nuevas, y no tan nuevas, generaciones son los festivales. Como los mayores eventos musicales su influencia es innegable. Los hay de todo tipo de estilos de música para todo tipo de gustos. Son un medio de reunir a grandes artistas como cabezas de cartel a la par que son oportunidades para grupos menores de darse a conocer y dar impulso a su carrera musical. Son un medio también de que la gente conozca nuevos grupos que no había escuchado y que a raíz del festival les causan interés.
Dado que también los festivales necesitan darse a conocer, el diseño se convierte en herramienta indispensable para estos eventos. Cuando se crea un festival, en su primera edición, esta labor de diseño tiene que abarcar todo: logotipo, nombre, estética, concepto, grafismos, merchandising, promoción, escenografía, cartelería, difusión en la redes, página web… Se trata de crear la base de todo lo que representará al festival. Esto depende mucho del género musical al que se va a dedicar cada festival, teniendo que conocer todo lo que éste representa y que tipo de diseño atraerá a sus consumidores, e incluso crear curiosidad en los no tan afines a él. Tras la primera edición la labor es algo menor aunque igualmente importante. Por lo general se mantienen los esquemas más básicos y se pueden producir cambios en los colores, gráficos o en el empleo de nuevas características pero debiendo mantener la estética general muy parecida, para que sea fácilmente reconocible.
WEBGRAFÍA
http://www.elle.es/living/ocio-cultura/news/g681079/mejores-portadas-discos-historia/?slide=19&thumbnails=
https://blogs.20minutos.es/ciencias-mixtas/tag/cp-1919/
https://blogs.20minutos.es/ciencias-mixtas/tag/cp-1919/
http://pixel-creativo.blogspot.com.es/2015/04/diseno-grafico-y-musica-el-arte-del.html
http://www.efeeme.com/las-mejores-portadas-del-rock-rolling-stones-sticky-fingers/
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http://mapimpresores.com/blog/index.php/2014/01/packaging-musical-caratulas-que-hicieron-historia/
http://www.elmundo.es/beatles/abbey.html
http://www.bandalismo.net/2013/portada-abbey-road-beatles-curiosidades/
http://botiga.ppf.cat/index.php?id_product=104&controller=product&id_lang=2
http://www.lavanguardia.com/local/valencia/20150710/54433311289/entrevista-zoo-toni-sanchez-panxo.html
http://modo.co.uk/
http://www.elmundo.es/beatles/abbey.html
http://www.bandalismo.net/2013/portada-abbey-road-beatles-curiosidades/
http://botiga.ppf.cat/index.php?id_product=104&controller=product&id_lang=2
http://www.lavanguardia.com/local/valencia/20150710/54433311289/entrevista-zoo-toni-sanchez-panxo.html
http://modo.co.uk/
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ResponderEliminarMe parece muy interesante pero tiene bastantes errores (se repiten frases)
ResponderEliminarNo veo la relación con la foto Woody Allen
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